Welcome to the Piano -
we're glad you're here!

1970 auf Canvey Island, Essex, gegründet, ist Dr.Feelgood noch heute eine der weltweit bekanntesten und spannendsten Live Bands des frühen Rhythm & Blues. Ihr rauer, erdiger Sound und die kompromisslose Live Performance machen jedes Konzert zu einem Erlebnis.

Nicht von ungefähr, dass Dr.Feelgood mit ihrem Album „Stupidity“ nach ihrem No.1 Erfolg in den U.K. Charts Fans aller Coleur von Punk bis Rock´n´Roll um sich vereinen konnten. Weitere Erfolge mit Single-Veröffentlichungen folgten mit Songs wie Roxette, Back in the Night, Milk and Alcohol, Down at the Doctors, She Does it Right, Going Back Home. Ihre Version von See You Later Alligator erhielt sogar Gold Status!

Seit über 30 Jahren ist die heutige Besetzung der Band bereits gemeinsam auf der Bühne: Kevin Morris am Schlagzeug, Phil Mitchell am Bass, Steve Walwyn an der Gitarre. Lediglich Sänger Robert Kane (früher The Animals) ist als Frontman 1999 hinzugestossen und ein Garant für eine energetische und fesselnde Show!

Das letzte Album mit Original-Sänger Lee Brilleaux, „Down At The Doctors“, wurde zwei Monate vor seinem Tod live in der Dr.Feelgood Music Bar auf Canvey Island aufgenommen (heute das Oysterfleet Hotel). Mit „Chessmasters“ (2000) und „Speeding Thru Europe“ (2003) veröffentlichten Dr.Feelgood auch Aufnahmen in der aktuellen Formation, mit der die Band Jahr für Jahr weltweit ausgedehnte Tourneen spielt.

Ska & Soul Night Part II, präsentiert von Rude Boys Productions:

The Valkyrians & The Originators, live auf der Bühne im Musiktheater Piano.

The Valkyrians – sind Finnlands intelligenteste und erfolgreichste Ska-/Rockstaedy Band, inspiriert von jamaikanischer Musik der 60er Jahre und den britischen 2-Tone -Veröffentlichungen der 70er und 80er Jahre.

The Valkyrians heißt Punk im Rudeboy-Gewand, mit Rocksteady-, Ska- und Reggae Rhythmen. Ihre Verehrung von Punkklassikern bleibt Bestandteil ihrer Alben und Shows. Zur Zeit arbeitet die Band an einem neuen Album, welches hoffentlich im Herbst erscheinen wird.

Die Shows der Band sind immer sehenswert und spaßig, Berührungsängste sind ein Fremdwort. Man darf sich auf einen tollen und ausgesprochen energetischen Konzertabend freuen.

Eröffnet wird der Abend von der niederländischen Soul Band The Originators:
Die Band spielt Northern Soul und ist stolz darauf, die erste und einzige Northern Soul-Band der Niederlande zu sein. The Originators, in einer traditionellen Soul-Besetzung, spielen in hohem Tempo energische, frohe, ansteckende Songs, Northern Soul-Art!

The Originators; New Generation Northern Soul!
For dancers only …

Its back to business!

King King – “best blues-rock band in the world” (Blues Rock Review)

The mission is far from accomplished for the Glaswegian Rock band. “We’re not stopping to smell the roses,” says lead singer Alan Nimmo “We want to take this band as far as we can”

…. and so it continues, don’t hang about to get your tickets for this concert, King King are hot, and they are arguably one the best live acts out there at the moment.

New album ‘Maverick’ Out Now!

KING KING who feature Alan Nimmo on Lead Vocals & Guitar, Jonny Dyke on Keyboards, Zander Greenshields on Bass and Andrew Scott on Drums were formed in Scotland in 2008 and have released four critically acclaimed studio albums plus a double live album & DVD.

Alan Nimmo “We are really looking forward to our return to Germany as part of our spring 2020 tour. A new year, new songs.. and possibly a new kilt!!!”

Seit nunmehr drei Jahrzehnte treiben die DIRTY DEEDS ‘79 ihr Unwesen auf den Bühnen Europas, um die unsterblichen Hits ihrer Idole hochleben zu lassen. Auch die fünf Bonner gehören zu den Millionen AC/DC-Maniacs weltweit. Allerdings waren sie wohl die ersten, die zu den Instrumenten griffen, um ihrer Verehrung Ausdruck zu verleihen. Seit 1989 sind die DEEDS nun schon auf dem „Highway To Hell“ zwischen Balearen und Weißrussland unterwegs um das australische Rotzrock-Evangelium zu predigen.

Nach drei dreckigen Dekaden ist die Qualität der DIRTY DEEDS ‘79 das offenste Geheimnis unserer Tage, habe sie sich doch schon früh den Ruf der führenden AC/DC-Tribute- und Coverband im Land erspielt. Hunderte Konzerte waren es seit die DEEDS das erste Mal mit „Whole Lotta Rosie“ gas gegeben haben und allesamt waren schweißtreibende, zweistündige Andachten.

Und im ganzen Land hat man sie gefeiert: 100.000 und die Mannschaft des FC St.Pauli drehten zu „Hells Bells“ bei der Aufstiegsfeier des Clubs durch. Zweimal waren sie zu Gast beim renommierten AC/DC Fantreffen in Geiselwind und bestanden mit Bravour vor einer Halle gefüllt mit der Creme der internationalen AC/DC-Connaisseure. In der Heimat sind sie hingegen bereits legendär. Ihr Wohnzimmer, die Harmonie, haben sie seit ihrem ersten Gastspiel im Jahre 2001 tatsächlich 60 mal ausverkauft, denn mittlerweile spielen die fünf wegen der großen Nachfrage vier Christmas-Shows im Jahr.

Und ihre runden Bandgeburtstage unter freie Himmel n der Bonner Rheinaue sind Treffpunkt von Tausenden. Und zwischendrin noch eine Riesenehre: als einzige Tributeband in über 40-jährigen Geschichte des legendären WDR Rockpalast wurden die DIRTY DEEDS ‘79 aufgezeichnet und in voller Länge ausgestrahlt. Ein Ritterschlag, über den sie sich noch heute freuen.

Angeführt werden die DEEDS vom Ausnahmegitarristen Volker „Vangus“ Voigt, über den die Bibel der AC/DC-Coverbands, das Onlinemagazin „Daily Dirt“ zu berichten weiß: „Als Besonderheit würde ich noch „Vangus“ erwähnen. Mit „Spiegelglatze“ und aufgeklebten Hörnchen (Schuluniform sowieso) kann man anfangs noch schmunzeln, was jedoch schnell in Begeisterung umschlägt: Der Mann versteht sein Handwerk.“ Das Solinger Tageblatt schlägt in die gleiche Kerbe: „Neben der Schuljungen- Kleidung von Angus Young imitierte er auch dessen weltberühmte Bewegungen täuschend echt: Deutschlands authentischster Angus Young-Klon!“ Ihm zur Seite steht Sänger Alex „Big Bonn“ Kaiser wie Vangus Vorzeigemusikant und eine Rampensau erster Güte. „Bemerkenswert, wie der gewichtige „Big Bonn“ die AC/DC-Sänger Bon Scott und Brian Johnson bühnenwirksam zu verkörpern weiß und wie kraftvoll er seine aufmüpfigen Texte skandiert. Nicht zu überhören ist Lead-Gitarrist „Vangus“, der atemberaubende Soli spielt und dem legendären AC/DC-Gitarristen Angus Young kaum nachsteht.“ (General-Anzeiger, Bonn)

Wir wollen an dieser Stelle eine Kritik der Kollegen von Musicheadquater.de bemühen, die bestens trifft, wofür die DEEDS stehen wollen: „Im komplett ausverkauften Prime Club zu Köln rockten die fünf Jungs aus Bonn alles in Grund und Boden. Über zwanzig Songs, darunter „The Jack“, „Sin City“, „Live Wire“ und natürlich „Dirty Deeds“ wurden zum Besten gegeben, was für ein Abend. Die Band selber ganz im Stil der Australier, Gesang (Big Bonn), Lead Gitarre (Vangus), Rhythmus Gitarre (KutA Young), Bass (Dr. Williams) und Schlagzeuger Gonz „the machine“ Rudd. Nach etwa zehn Minuten ist klar, wohin die Reise an diesem Abend gehen soll: DIRTY DEEDS ’79 rocken was das Zeug hält, man hat kaum Zeit zu verschnaufen, an meinem Shirt befindet sich keine trockene Stelle mehr, egal! Der Prime Club bebt, die Meute tanzt und singt jeden Song aus vollem Herzen mit als wolle man Bon Scott, der mit Sicherheit anwesend war, eine Botschaft schicken.“

Bei den DEEDS gibt’s das Vollprogramm mit „High Voltage“, „Let There Be Rock“, „Hells Bells“, „Thunderstruck“ und all den anderen Prachtstücken von Angus & Co. Bonnaparte.de erfasste es seinerzeit ganz gut, was passiert, wenn sie sich hingebungsvoll durch den AC/DC-Backkatalog rocken: „Die Stimmung kam der auf einem AC/DC-Konzert gleich, auch wenn nur einige hundert Leute in die Harmonie reinpassten: Voll, nass, heiß, laut und genial! Es schien als fegte Angus Young persönlich wie ein Wahnsinniger über die Bühne. Super Konzert, Headbanging, Bier, lauter Gesang. Ende. Gegröle. Zugabe.“

Wer es wagt, sich an das Material der kanadischen Prog Rockband RUSH heranzutrauen, muss schon ein großes Vertrauen in sein musikalisches Können haben.
Die drei Mitglieder der italienischen Band LA VILLA STRANGIATO haben genau das! Die aus Rom stammende Band, benannt nach einem alten RUSH Titel, wurde 2010 von Gabriele Ferrari und Carlo Fattorini gegründet. Seither ist es ihr Anliegen, die Songs aus der Zeit der größten Popularität von RUSH, in den 70er und 80er Jahren, wieder zu beleben.
In den letzten Jahren haben die drei Italiener ihr Programm stetig weiterentwickelt und hinterließen auf vielen Shows begeisterte Fans Im aktuellen Programm Permanent Changes für 2020 stellt sich die Band der Herausforderung das gesamte Album Permanent Waves und eine faszinierende Auswahl an Songs, die RUSH seit damals nicht mehr gespielt hatte darzubieten. Sie
liefern damit endgültig den fulminanten Beweis als einzige Band in Europa fähig zu sein, das komplexe Material von RUSH zu spielen.

The Ruts were a reggae-influenced British punk rock band, formed in 1977 at the height of the Punk revolution. They finally released their first single ‘In A Rut’ in early 1979 on the People Unite label . This 7” vinyl was much played and highly regarded by the UK BBC Radio 1 D.J, John Peel. From then on and over the years, the record rightly became what can be considered to be a Punk anthem.

There were more to follow, with the singles ‘Babylons Burning’,’ Something that I Said’, ‘Jah War’ (all from the debut album ‘The Crack’) and ‘Staring at the Rude Boys’, ‘West One’ (both featured on the album ‘Grin and Bear It’).The band were quickly established as a major force in U.K music, but by 1980, The Ruts were over. The 3 remaining Ruts felt that they had to continue with their mission.
To differentiate between incarnations, they added the initials D.C (Da.Capo) – a musical term for back to the beginning. After 2 albums – ‘Animal Now’ and later ‘Rhythm Collision Volume 1’ with legendary dub producer “Mad Professor” they parted ways to follow their own musical paths.

And so it remained until 2007 when sad news of Paul Fox’s illness brought them back together. It was decided to do “One last gig”. With Henry Rollins taking over the lead vocals, the set of timeless classics served as both a celebration of Foxy’s unique talent but also as a belated tribute to original vocalist Malcolm Owen. See the gig here.

The second circle was complete.

Bereits zum 5. Mal findet das Benefizkonzert „WASSER IST LEBEN “ im Musiktheater Piano statt.

Wir freuen uns, dass wir für dieses Konzert die Dortmunder Band „The Buh“ – nach über 2 Jahren Live-Abstinenz – und Thees Uhlmann gewinnen konnten.

„Der aus Niedersachsen stammende Musiker Thees Uhlmann ist Singer/Songwriter und Autor. Er gilt als eine der prägendsten Persönlichkeiten der deutschen Musiklandschaft und ist Hauptact des 5. Benefizkonzerts „WASSER IST LEBEN“ zugunsten der Neven Subotic Stiftung. Wir freuen uns sehr auf den Heimatpoeten und romantischsten Rocker des Deutschen Pop.“

Im Anschluss wird, wie auch in den vergangenen Jahren, DJ Uwe Mayer die Aftershowparty schmeißen.

Starten wird das Programm pünktlich um 20.00 Uhr mit Vertreter*innen der Stiftung, die über die Arbeit der Stiftung berichten werden.

Die Neven Subotic Stiftung, www.nevensuboticstiftung.de, hat es sich zur Aufgabe gemacht, in den ärmsten Regionen der Welt für mehr globale Gerechtigkeit zu sorgen und baut in Äthiopien, Kenia und Tansania Trinkwasserbrunnen und Sanitäranlagen.

Birgit Blanck ist Botschafterin der Stiftung und hat mit den bisherigen Benefizkonzerten, den dazugehörigen Spendenaktionen, gemeinsam mit allen Gästen und Unterstützer*innen bereits den Bau von 4 Trinkwasserbrunnen und somit die Lebensbedingungen für annähernd 1.000 Menschen, insbesondere Schulkinder, nachhaltig und grundlegend verbessern können.

Mit diesem Benefizkonzert soll der Bau eines weiteren Brunnens, an einer Schule oder Gemeinde in Tansania, ermöglicht werden.

Der Erlös des Abends geht zu 100% an die Neven Subotic Stiftung.

>>> Spendenlink

Mit neuer Band und einem neuen Studio Album möchte Henrik Freischlader auf die Bühnen der Clubs und Festivals zurückkehren. Die Fans können sich auf intensive Konzerte freuen, bei denen musikalisch aufgeholt wird, was in den letzten Jahren vermisst wurde. Es wird wieder rockiger und natürlich auch etwas lauter als im Internet. Das klassische Bluesrock-Quartett bilden Schlagzeug, Bass, Hammond Orgel, Gitarre & Gesang und es darf sich auf alte Bekannte gefreut werden.

Neben den neuen Songs, dürfen sich nach einer so langen Pause außerdem Lieblingsstücke gewünscht werden. Wir freuen uns auf Euch alle!

Besetzung:
Henrik Freischlader – Gesang & Gitarre
Hardy Fischötter – Schlagzeug
Armin Alic – Bass
Moritz Fuhrhop – Hammond Orgel

The Coronas

True Love Waits – album biography

The Coronas’ sixth album marks more than a fresh start. If its five, platinum-selling predecessors were chapters in the career of one of Ireland’s biggest, best-loved bands, True Love Waits is a whole new book.

A quartet for 13 years, last summer, The Coronas became a trio when guitarist Dave McPhillips unexpectedly left. Briefly they questioned whether to continue, but once the shock had subsided, something dawned on the Dubliners. If they weren’t the band they used to be, why make music as they always had?

“In retrospect, the shock of Dave leaving the band helped us get a clearer picture of what we wanted the album to be” says Danny O’Reilly, singer and lead songwriter. “When we accepted that we weren’t going to be the same band without him, it was easier to let the songs lead us in ways we wouldn’t have thought of before”

“Rather than replace Dave, we actually contemplated ditching guitars entirely. But instead we opened ourselves up to work with loads of our talented friends, mainly because the songs warranted it, and we had an amazing young producer George Murphy who knew exactly the kind of album we wanted to make.”

“For the first time we used real brass, there are extra guest backing vocalists, guest guitar players and our first featured duet. From early on, the guys encouraged me to use my voice differently, just pushing me to try something that I wouldn’t have done previously”

Two songs had already been recorded, in L.A. last February with Hozier and PJ Harvey producer Rob Kirwan, when Danny, bassist Graham Knox and drummer Conor Egan pressed reset. But the album only really began to take shape once a raft of new songs arrived. Key to the process was Danny’s coterie of new co-writers.

“I co-wrote a little on the last two albums and loved it,” says Danny. “This time I was up for anything. I took snippets of ideas to several musician mates, mostly around Dublin and Kerry, to see what we came up with and that’s how we hit on some of the new sounds and different song structures.

“When you’re five albums in, it can be difficult to write differently on your own – you instinctively return to the same patterns. With fresh input, you’re forced down new paths, and it’s also great sharing that excitement in a room when you both know that there’s something special in the idea you’ve just created together”

Title track and new single True Love Waits was written with Cian MacSweeny, frontman of Cork-formed, Dublin-based trio True Tides, one of The Coronas’ favourite bands and their recent support act.

Acoustic guitar and bright synths blend to create an atmosphere of dreamy optimism, while the lyrics – ‘Fuck that, take a chance’ – could as easily apply to The Coronas’ new outlook as a new relationship. Much of the song is the band’s original demo, recorded DIY in Dublin, before being completed in London with producer George Murphy.

“We’ve never kept so much of our demos before,” says Danny, “but what’s great about George is he can see the magic in a moment. There’s a spontaneity to that song which we’d have lost by rerecording it. George engineered our last two albums, so he knows us very well. He’d hone in on the vibes of what we brought him. A lot of the songs had odd arrangements and he understood straight away what we were trying to do.”

The unorthodox arrangements helped push The Coronas out of their comfort zone. The release last year of hypnotic first single Find The Water was a shock to some, but its success told the band they were on the right path.

Beginning with just piano and vocals, then breaking into an intense chant, Find The Water soars skywards on trumpets and percussion and has Danny singing so high by the end that he’s all but unrecognisable.

Future single Cold may rival it for surprises. Opening on its stark, prayer-like chorus, it’s a majestic spine-chiller that shapeshifts on piano, percussion and synths. Written by Danny as a pick-me-up late one night alone in Dingle, it’s about decision-making and self-doubt.

“How do you know you’ve made the right choice, about anything,” says Danny. “In the midst of so much change, you can question every decision, but what’s the point? It’s our ‘don’t get down’ song. Have confidence and move on.”

Lyrically, True Love Waits addresses everything from a new love in Danny’s life to looking back at past achievements with pride to dealing with Dave’s departure.

Light Me Up flips from atmospheric to anthemic and builds to a boisterous, gospel finish featuring co-writer Cian on backing vocals. Haunted, one of two songs written with producer Cormac Butler, is a toast to a partnership – with the phrase “haunted” being Dingle-speak for “lucky”.

Lost in The Thick It is one of the albums highlights, a gorgeous duet with Gabrielle Aplin, written in Brighton with Aplin and her partner Alfie Hudson-Taylor.

On the celebratory Brave, The Coronas work in a waltz. The euphoric Heat of the Moment they describe as their Richard Curtis love song. By the end of I Think We Jinxed It, the guitars and synths soar just much as Danny’s vocals.

“We never thought we’d make six albums, or be as excited about music as we are now. It’s great that we’re not trying to compete with anyone else. We’d rather just outdo ourselves.”

RÓISÍN O 

Straight off the back of returning to her solo career, Róisín O’s latest album ‘Courageous’ reached the No. 1 spot in the independent Irish album charts and No. 1 in overall physical sales chart in its first week. Róisín’s newly released album and recent tour builds on a hugely successful musical career to date and her renowned stage presence and electric energy is not to be missed.

Following on from her debut album ‘The Secret Life of Blue’ O went on to release a number of hugely successful singles including hits ‘Give It Up’ and ‘Warn Me of Silence’, as well as her version of Sia’s ‘Chandelier,’ and her hair raising rendition of the Irish ballad ‘Grace’, both receiving millions of views online. Since releasing ‘Courageous’ in April, with singles like ‘Stolen’ written with Gavin James, Róisín has appeared the cover of several publications including You Magazine and Rude Health, and will have her hit single ‘Heart + Bones’ appear in two Irish films in the coming months.

Since her debut Róisín has shared the stage with a host of internationally renowned artists, including Lionel Richie, Bryan Ferry, Brad Paisley, Hozier and Colin Hay as well as headlining her own tours in Ireland, Germany, The US and Australia. In 2016 Róisín was invited to perform at JJ Abram’s Oscar Wilde Awards in LA where she shared the bill with Snow Patrol to play for Stephen Spielberg, James Corden, and many more. Later that year she won the coveted Tatler Woman of The Year Award for Music.

After three years working with band Thanks Brother, 2020 lockdown brought O back to her roots, using the timeout from the constant touring and recording to reset. After receiving a huge response to her cover of Selena Gomez’ ‘Lose You to Love me’, as well as her involvement in the No.1 single ‘Dreams’ with Irish Women in Harmony, Róisín’s resolve to return to her solo career was cemented.

Es gibt Musik die von einer Generation zur Nächsten weitergereicht wird und dabei nichts an Spannung und Authentizität einbüßt. Wer das Album „Pampered Mental“ von der Gruppe „Pavlov´s Dog“ – gegründet bereits 1972 in St. Louis Missouri – gehört hat wird einfach nachhaltig beeindruckt  von einem Sound der auf gewisser Weise einmalig ist.

Die Mischung aus Klassik und Rock, Folk und Pomp – getragen von David Suhrkamp´s sicher unvergleichlicher Falsettstimme – gehört zur Gen-Substanz einer Musikrichtung die man inzwischen „Prog“ nennt.

Traumhaft schöne Songs –  seit Jahrzehnten darf „Julia“ auf keiner Schmuseparty fehlen – und eine bemerkenswerte Instrumentierung ziehen die Hörer magisch in ihren Bann. Akustische und elektrische Gitarren verweben sich mit Mellotron- und Geigenklängen. Rhythmische Hardrock-Phasen wechseln sich mit sphärischen Melodienbögen ab – und da ist dann immer wieder diese überirdische Stimme.

Im Lauf der Jahrzehnte hat sich die Besetzung der Band immer wieder verändert ohne dass das musikalische Spektrum weiter eingegrenzt wurde.

Das Album „Pampered Mental“ – mit dem berühmten Hund auf dem Cover und dem Dauerbrenner „Julia“ brachte die Band 1975 sofort zu weltweiter Beachtung. Es wurde viel spekuliert ob David Suhrkamp diese stimmliche Akrobatik mit Hilfe von Helium erzeugte. Doch auch das folgende Album „At the Sound oft he Bell“ konnte genauso viele Menschen begeistern.

Es folgte eine lange Funkstille. Erst Anfang der 90er Jahre wurde ihr drittes Album „Third“ veröffentlicht doch erst im neuen Jahrtausend begann die Band international zu touren und war wohl selbst erstaunt wie viele Menschen „Pavlov´s Dog“ überwiegend zum ersten Mal live sehen wollten.

Tatsächlich begab sich die Band wieder ins Studio und begann auf gleichem Niveau dort weiter zu machen wo sie Ende der 70er aufgehört hatten. Und die Melodien blieben betörend und der Sound außerirdisch.

2018 erschien das Album „Prodigal Dreamer“ – und was fand sich auf dem Cover? Richtig! Ein eingebildeter fetter Hund. Das Album übertraf alle Erwartungen und wurde von der Musikpresse gefeiert. Im Prog-Magazin „eclipsed“ wurde es zum Album des Monats gekürt und selbst in der Liste der Jahresbesten kam es auf Platz 14. Die Band war ohne Zweifel ein aktueller Act – die Tourneen europaweit erfolgreich.

Wir freuen uns dass PAVLOV´s DOG nach der langen allgemeinen Kunstpause auch im Jahr 2022 wieder nach Europa kommt.

Randy Hansen – Guitar, Vocal
UFO Walter – Bass, Backing Vocal
Manni von Bohr – Drums                  

Seit Jimi Hendrix´ Tod im Jahre 1970 gab es immer wieder Musiker, die versuchten, seine Musik so identisch wie möglich zu interpretieren. Doch so richtig gelang es keinem, bis Randy Hansen in den 80ern auftauchte.

Überraschenderweise ist er tatsächlich in der Lage, Jimi´s original Gitarrensounds verblüffend exakt nachzuempfinden. Aber damit nicht genug; wenn er singt,
meint man, Jimi´s Stimme zu hören. Randy Hansen hat Jimi Hendrix sozusagen bis ins Detail „studiert“. Nicht umsonst wird er von Musikkritikern -und Magazinen in der ganzen Welt als Reinkarnation von Jimi Hendrix betitelt. Wie ein Derwisch fegt das Energiebündel über die Bühne und zieht das Publikum, mit seinem „waffenartigen Sound“ in seinen Bann.

Bereits als Zwölfjähriger hörte er das erste Hendrix Album „Are You Experienced“.
Sein Ehrgeiz, sich Jimi´s außergewöhnliche Feedback-Sounds `draufzuschaffen` sollte sein weiteres Leben bestimmen. Mittlerweile in den USA hinreichend bekannt, tourte er mit vielen bekannten Musikern und Bands, unter anderem Jethro Tull, Ritchie Blackmore, Buddy Miles, John Mellencamp, Bob Seger, den Beach Boys, Mitch Mitchell und vielen
anderen.

Auch am Soundtrack von Francis Ford Coppola´s Antikriegsfilm “Apocalypse Now“ hat Hansen mitgeschrieben. Sein Debüt in Deutschland feierte Randy, als auch Uli Jon Roth von den Scorpions von Randy so begeistert war, dass er ihn für sein Konzert zu Ehren Jimi Hendrix engagierte, welches in Kölner E-Werk stattfand und vom WDR aufgezeichnet wurde. („Tribute to Jimi Hendrix“). Es läuft immer wieder auf deutschen TV-Sendern.

Inzwischen hat Randy, der es wie kein anderer vermag „his whole body and soul“ in seinen Gitarren Sound einfließen zu lassen in ganz Europa diverse Fernsehshows sowie unzählige Live-Gigs absolviert, und sich so eine feste Fangemeinde aufgebaut.

Sowohl in den USA als auch in Europa ist er zu einer Kultfigur geworden. Seine Konzerte werden nicht nur von Hendrix Fans sehnsüchtig erwartet und frenetisch gefeiert und sind vor allem in Europa und speziell in Deutschland immer regelmäßig gut besucht bis ausverkauft.

Auch Randy Hansen´s Band ist hinreichend bekannt in der deutschen Rockszene. Mit von der Partie sind nämlich Manni von Bohr, früher an den Drums bei der Krautrock-Institution Birth Control und Redakteur beim bekannten Magazin Drums & Percussion und UFO Walter am Bass, der langjährige Bassist von Marla Glen.

Einflüsse aus Grunge, Garage und Indierock fließen zu einem völlig übersteuerten, extrem fudgigen Superfuzz-Bigmuff zusammen. Der Sound ist ein Feuerwerk aus Noise, Indie-Blues bis hin zu Stoner-Rock, immer mit den für Daily Thompson üblichen Fuzz-, WahWah- und Distortion-Attacken kreieren sie ihren 90ies Fuzz-Desert-Rock. Besonders die zwei Leadvocals sind nicht oft in dem Genre zu finden.

Die letzten Jahre hat das Trio sozusagen auf der Straße verbracht. Daily Thompson haben sich schon auf unzähligen Shows bewiesen, darunter auch Festivals wie z.B. das WDR Rockpalast Crossroads Festival, Reeperbahn Festival, Orange Blossom Special Festival oder Krach Am Bach! Bühnen wurden mit Bands wie Liam Gallagher, Portugal The Man, Maximo Park, Earthless, Mustasch, Nebula, Truckfighters und vielen mehr geteilt.

Für 2021/22 sind Festivals wie das Freak Valley, Stoned From The Underground und Rock Im Wald bestätigt.

Obwohl die Band durchgängig auf Tour ist, veröffentlichen sie Singles und Alben am laufenden Band. 2014 wurde das selbstbetitelte Debüt Album veröffentlicht, 2015 wurde die Split 7“ „Spit Out The Crap“ mit der US Band Mos Generator released und 2016 veröffentlichte die Band ihr zweites Album „Boring Nation“. Den Release der Split 7“ „River Haze“ feierten sie 2017 auf dem Reeperbahnfestival. 2018 wurde das Album „Thirsty“ veröffentlicht. Im Januar wurde außerdem die Split Ep mit der Künstlerin Elli De Mon released, die italienische Antwort auf Seasick Steve.

2020 unterschrieb die Band bei dem Berliner Label Noisolution und veröffentlichte ihr viertes Album „Oumumua“ am 21. August 2020. Im Dezember 2021 wird die Band ihr neues Studio Album „God Of Spinoza“ veröffentlichen!

„Einer der 10 wichtigsten Musiker der Dekade“ (Eclipsed) und das neue Projekt der ex-IQ-Rhythmusgruppe spielen zwei volle Sets: Mit T (+ Band) und RAIN treffen bei Ts „Pareidoliving 2022“-Tour zwei Schwergewichte des ArtRock zusammen. Während T für sein neues Album als „der deutsche Steven Wilson“ (MHQ) gefeiert wird, punktet RAIN weltweit mit „Spaß inne Backen“: Ein Abend der Extreme, der vor allem eins werden dürfte: extrem lohnenswert!

Thomas „t“ Thielen ist erst seit 2019 wieder live zu sehen – seit fast 20 Jahren Bühnenpause! Sein neuestes Album „Pareidoliving“ erhält überschwengliche Kritiken, die Präsenz des Maestro und seiner Live-Band wird als Sensation gefeiert. Beim NOTP wurde t zum „besten Act 2019“ gewählt, und der Rolling Stone fand, ts Musik sei „der beste Film, den Sie dieses Jahr hören werden“.

Das Mastermind des deutschen Prog, „der unbekannteste Topstar der Szene“ (Musikexpress), begeistert für 2022 mit einem völlig neu aufgestellten Programm, das er rund um seine beiden letzten Alben neu gestaltet hat. Emotional und intellektuell gleichermaßen ergreifend, gilt Thielens Musik vielen als Maß aller Dinge im deutschen Prog: Gesanglich wird er oft zwischen Steve Hogarth und David Bowie verortet, was Timbre und Intensität angeht – musikalisch liest man, t sei „der deutsche Steven Wilson“. Nicht entgehenlassen – t spielt 2022 nur wenige Termine!

RAIN verbindet die Erfahrung der ex-IQ-Rhythmusgruppe mit viel frischem Wind. Um John Jowitt und Andy Anderson ist eine Truppe gewachsen, die England live im Sturm erobern konnte und für ihr letztes Album, wie t, vom renommierten Label des IQ-Masterminds Mike Holmes unter Vertrag genommen wurde.

Live kommen die großen Melodiebögen und zuckenden Grooves noch etwas besser rüber als auf CD. Jowitts Bassspiel treibt die Musik durch die blumigen Songs, dass es fast unmöglich wird, nicht mitzuwippen, während die Vocals durch die Halle perlen. RAIN sind bester Neoprog vom Feinsten! Nicht verpassen, bisher einziger Deutschland-Termin!

„Europas Nr.1 Deep-Purple-Tribute-Band“ bringt Deep Purple’s „Made in Japan“ zum 50. Jubiläum auf die Bühne!

Für viele Anhänger härterer Rockklänge ist Deep Purple’s „Made In Japan“ noch immer das Nonplusultra unter den Hardrock-Live-Alben. 2022 wird der berühmte Konzertmitschnitt ein halbes Jahrhundert alt. Demon’s Eye als „Europa’s Nr.1 Deep-Purple-Tribute-Band“ würdigen das legendäre Doppelalbum mit dem goldenen Cover in einem besonderen Live-Programm.

Im ersten Konzertteil bietet das spieltechnisch virtuose Quintett zunächst einen spannenden Querschnitt aus unterschiedlichen Deep Purple-Epochen und bringt sowohl große Hits, als auch die eine oder andere eher unerwartete purpurne Song-Perle. In der zweiten Hälfte spielen Demon’s Eye dann alle Songs, die Deep Purple auf ihrer dreitägigen Japan-Tour im August 1972 aufgeführt haben. Zu hören sein werden nicht nur die „üblichen Verdächtigen“ wie zum Beispiel „Highway Star“, „Smoke On The Water“ und „Strange Kind Of Woman“, sondern auch Lieder wie „Speed King“, „Black Night“ und die alte Little Richard-Nummer „Lucille“. Letztere fehlten seinerzeit auf dem originalen „Made In Japan“-Album und wurden erst Jahrzehnte später bei Neuauflagen des Live-Klassikers veröffentlicht.

Selbstverständlich darf „Child In Time“ nicht fehlen – jener Song, bei dem Deep Purple-Sänger Ian Gillan damals schier unfassbare Höhen auf der Tonleiter erklomm. Auch Demon’s Eye-Frontmann Daniele Gelsomino gelingt diese gesangliche Meisterleistung in beeindruckender Weise.

Demon’s Eye, die gemeinsame Auftritte mit den Deep Purple-Legenden Ian Paice und Jon Lord hatten und von den Beiden für ihre herausragenden Interpretationen in den höchsten Tönen gelobt wurden, orientieren sich seit vielen Jahren an dem bombastischen Sound
des legendären „Made In Japan“-Albums. Gleich dem Original zeichnet sich auch dieser Tribute-Act durch furios improvisierte Gitarren- und Orgelduelle aus und „kann hochkomplexe und übervirtuose Stücke spielen, an die sich die meisten Coverbands nicht herantrauen“ (‚Remscheider General–Anzeiger‘).

Bei aller musikalischen Finesse verstehen es die fünf Vollblutmusiker, Konzertbesucher nicht nur musikalisch, sondern auch mit einer packenden Bühnenshow zu überzeugen. Besonders die fast schon akrobatischen Einlagen des Ausnahmegitarristen Mark Zyk sorgen immer wieder für Begeisterung und Zwischenapplaus.

Wer also erleben möchte, wie es sich für die Zuschauer vom 15. bis 17. August 1972 in Osaka und Tokio angehört haben muss, sollte sich dieses Gastspiel nicht entgehen lassen. Demon’s Eye sind Garanten für die ultimative Purple-Illusion – „Made in Germany“!

Die Climax Blues Band wurde 1968 von Colin Cooper gegründet, der die Band zusammen mit Pete Haycock in den 1970er und 1980er Jahren mit Verkaufsschlagern wie FM Live und Gold Plated, sowie den Hitsingles „Couldn’t Get
It Right“ und „I Love You“ zu großem Erfolg und Anerkennung führte. George Glover stieß 1981 als Keyboarder zur Band, Haycock verließ die Band 1984 und Lester Hunt kam 1985 zu den neu formierten Climax, Roy Adams kam 1987 dazu und Neil Simpson Anfang der 1990er Jahre. Colin Cooper leitete die Band mit einer Rückkehr zu der Art von Blues, mit der die Band begonnen hatte, bevor er 2008 zu früh verstarb. Sein Wunsch war es, dass die Band weitermacht, und die Verpflichtung von Graham Dee und Chris ‚Beebe‘ Aldridge erfolgte mit dem Ziel, den
Climax-Sound wieder zu erweitern, neue musikalische Einflüsse aufzunehmen, sich kreativ weiterzuentwickeln, was das Markenzeichen der Climax Blues Band war, anstatt sich auf den vergangenen Ruhm zu verlassen.

Das Live-Album Security Alert wurde 2015 veröffentlicht und spiegelte diesen Schritt nach vorne und die Tatsache wider, dass Climax alte und neue Fans in ganz Großbritannien und Europa gleichermaßen begeisterten. Roy Wood von ELO und Wizzard mischte das Live-Album.

Im Mittelpunkt steht Graham Dee, ein Frontmann, der das Publikum in seinen Bann zieht und über sich hinauswächst. Sein erstaunlicher Stimmumfang hebt ihn von der Masse ab und er geht gerne im Publikum umher, um die Freude zu verbreiten….

Chris Aldridge ist eher gelassen und überzeugt mit seinem herausragenden, virtuosen Saxophonspiel, mit dem er Soul-, Jazz- und Blueseinflüsse stilvoll unterstreicht.

2019 wurde das Album HANDS OF TIME veröffentlicht, das erste Studioalbum mit eigenen Songs seit Drastic Steps im Jahr 1987.Hands Of Time ging direkt an die Spitze der Amazon-Downloads und auf Platz 3 der iTunes Blues-Charts.

2022 gab der Gitarrist Lester Hunt aus gesundheitlichen Gründen seinen Rücktritt aus der Band bekannt und Climax rekrutierten, ohne zu zögern, Dan Machin als Gitarristen. Dan hatte seit seinem 16. Lebensjahr mit Lester zusammengearbeitet, war Climax als Fan gefolgt und hatte im Laufe der Zeit in verschiedenen anderen Bands mit Roy und Neil gespielt. Er war bereits für Les bei Auftritten eingesprungen, wenn dieser nicht spielen konnte, und es war offensichtlich, dass er sich als versierter und äußerst talentierter Gitarrist nahtlos in die Band einfügen konnte.

Das seit 30 Jahren eingespielte Rhythmusgespann aus Adams und Simpson, der Climax-Veteran George Glover, der als Bandleader vom Keyboard aus alles zusammenhält, die dynamischen Beebe und Graham, sowie der kreative Gitarrist Dan als „neues Blut“ haben nun ein neues Kapitel der Climax Blues Band aufgeschlagen. Sie kreieren neue Musik, bewegen sich vorwärts, vermischen Altes mit Neuem und lieben es, Musik zu machen. Ein brandneues Album mit eigenen Songs ist in Arbeit, um auf dem Erfolg von Hands Of Time anzuknüpfen.

Der junge Thorbjørn Risager wuchs in der kleinen Stadt Jyllinge auf, etwa 30 km von Dänemarks Hauptstadt Kopenhagen entfernt. Das ehemalige Fischerdorf liegt am Ostufer des Roskilde-Fjords mit einem geschäftigen Hafen, der, wenn der Sonnenuntergang auf den Horizont des fernen Dorfes trifft, eine atemberaubende Aussicht bietet. Beobachten man den Sonnenuntergang, während die Brise über den Fjord streicht, der die Geschichte der Wikinger aus längst vergangenen Zeiten birgt, kann man kaum anders als dasitzen, nachdenken, reflektieren und von der Welt jenseits des Horizonts träumen.

Er wuchs in einem Haushalt auf, in dem beide Eltern Musiklehrer waren. „Es war für mich ganz natürlich, ein Instrument in die Hand zu nehmen und zu spielen“, sagt er. „Ich begann mit der Mandoline, dann mit der Gitarre, dann mit dem Saxophon, bis ich in der High School entdeckte, dass Singen noch mehr Spaß macht.“

Den Sound der Rock ’n‘ Roll-Größen – Elvis, Fats Domino und Little Richard – lernte er beim Hören der Plattensammlung seiner Nachbarn kennen, bevor er in seinen späten Teenagerjahren die Musik von B.B. King und Ray Charles entdeckte. Das veränderte alles.

Er hatte schon lange den Blues gesungen und oft mit seinem Freund Emil Balsgaard gespielt, als er sich für ein Musikstudium am Musikkonservatorium in Kopenhagen einschrieb. „Das Wichtigste am Musikstudium war, dass ich anfing, Musik zu schreiben. Viele Jahre lang hatte ich mich als Sänger betrachtet, der die Lieder anderer Leute interpretiert. Ich hielt mich nicht für einen Musikschriftsteller. Damals entdeckte ich für mich, das es gar nicht so schwer für mich war, einen Song zu schreiben.

Als es bei ihm Klick machte, ließ er seine noch junge Karriere als Lehrer hinter sich und widmete sich mit Leib und Seele der Musik. Noch nicht mal 30 Jahre alt, nahm er sein Schicksal selbst in die Hand und blickt seitdem nicht mehr zurück.

Er gründete Thorbjørn Risager Blue 7 im Jahr 2003, bevor er den Namen 2014 in Thorbjørn Risager & The Black Tornado änderte, und hat sie in den letzten zwanzig Jahren auf den Weg zu Dänemarks führenden Roots-Rockern geleitet.

Bereits im Studium lernte er seine zukünftigen Bandkollegen Kasper Wagner und Hans Nybo kennen, und auch Peter W. Kehl ist ein ehemaliger Student des Musikkonservatoriums.

Die Band besteht aus Thorbjørn Risager (Gesang, Akustikgitarre, E-Gitarre), Emil Balsgaard (Klavier, Orgel, Wurlitzer, Clavinet, Farfisa), Joachim Svensmark (E-Gitarre, Akustikgitarre, Synthesizer, Klavier, Bratsche, Schlagzeug, Perkussion, Glockenspiel, Mandoline), Kasper Wagner (Altsaxophon, Tenorsaxophon, Baritonsaxophon, Flöten, Klarinette), Hans Nybo (Tenorsaxophon, Bassklarinette), Peter W. Kehl (Trompete, Flügelhorn, Posaune, Schlagzeug), Søren Bøjgaard (Bass, Moog Bass, Baritongitarre, Synthesizer, Klavier, Schlagzeug) und Martin Seidelin (Schlagzeug, Percussion).

Sie haben zwölf Alben veröffentlicht, darunter sieben Studioalben – From the Heart (2006), Here I Am (2007), Track Record (2010), Dust & Scratches (2012), das mehrfach preisgekrönte Too Many Roads (2014), Change My Game (2017) und Come On In (2020) sowie das letztjährige Best Of.

Sie wurden sieben mal nominiert und gewannen zweimal den Danish Music Award. Sie wurden als „Best Band“ bei den European Blues Awards gekürt und zweimal mit dem renommierten Preis der Deutschen Schallplattenkritik ausgezeichnet.

Das Septett hat sich in den letzten zwanzig Jahren einen Weg durch Skandinavien, Europa, Kanada, die USA und Asien gebahnt. Mit ihrer dynamischen Bühnenpräsenz und einem Sound, der Soul, Chicago Blues, Boogie und Rock ’n‘ Roll vereint, haben sie die Massen in ihren Bann gezogen. Thorbjørn’s Stimme, in der sich Ray Charles, Van Morrison und Billy Gibbons in der Mitte treffen, ist das i-Tüpfelchen.

Sie haben die größten Festivalbühnen Europas mit ihren Tanzschuhen erobert und Jazzclubs rund um den Globus mit ihrem Low-Light-Noir-Blues beglückt.

Risager hatte auch die Ehre und „surreale Erfahrung“, in Indien die Bühne mit Buddy Guy und Doyle Bramhall II zu teilen. Er spielte mit Robben Ford und Kim Wilson (The Fabulous Thunderbirds) und eröffnete für die legendären Bonnie Raitt und die Tedeschi Trucks Band.

In jeder Hinsicht sind sie echte „Road Warriors“, die 9-10 Monate im Jahr auf Tournee sind, aber das ist etwas, das sie nie als selbstverständlich angesehen haben. „Ich denke, jeder Beruf kann manchmal hart sein“, meint er. „Sicher, man kann das ständige Herumreisen satt haben, aber andererseits ist der Job nie langweilig, weil man nie weiß, was der Abend bringen wird. Man weiß nie, wie das Publikum sein wird. Jedes Konzert ist eine einzigartige Erfahrung. Wenn man sich das Lächeln und die Reaktionen des Publikums ansieht, weiß man, dass das, was man tut, Sinn macht.“

Auf ihren ausgedehnten Reisen rund um den Globus haben sie Fans in allen Ecken der Welt gewonnen, darunter auch keinen Geringeren als Elwood Blues selbst, Dan Aykroyd! der ihren „heißen Rhythmus und Blues“ lobte und sagte, Risager habe „eine großartige Stimme und Präsenz und er würde den Blues spüren. Die Songs sind originell, klingen aber, als kämen sie von einer Stax-Aufnahmesession um 1965“.

Im Juni 2022 gab die Band bekannt, dass sie bei Provogue/Mascot Label Group – der Heimat von Joe Bonamassa, Beth Hart, Kenny Wayne Shepherd, George Benson und anderen – für ihr brandneues Studioalbum Navigation Blues unterschrieben hat. Die Aufnahmen fanden erneut in den Heyman Studios und den MillFactory NuVenue Studios in Kopenhagen statt und wurden von Søren Bøjgaard produziert. Das Album wird am 30. September auf Vinyl, CD und in digitaler Form veröffentlicht.

Das Album beginnt mit dem Titeltrack, einem Vorkriegs-Blues, in dem sich Risager sehnt: „Trucks of darkness here, and my matches are soaking wet…will this black night ever end.“ Im Gegensatz dazu stehen die rollenden Rhythmen und die brennenden Gitarrenlicks von „Watch The Sun Go Down“ – ein Südstaaten-Rocker im Stil von ZZ Top, der einen herrlichen Sonnenuntergang in der Wüste mit einer zischenden Tarantino-Coolness untermalt.

„Ich weiß, was die Songs für mich bedeuten und warum ich sie geschrieben habe. Aber ich möchte den Hörern nicht die Möglichkeit nehmen, sich ihre eigenen Bilder und Vorstellungen davon zu machen, was die Songs für sie bedeuten“, sagt Risager und lässt das Geheimnisvolle in das Album einfließen.

Zwei Jahrzehnte auf Tournee durch 21 Länder haben der Band die unglaubliche Fähigkeit verliehen, zu wissen, was die Menschen bewegt – sowohl die Füße als auch das Herz. Auf Navigation Blues setzen sie diese Fähigkeit mit absoluter Präzision ein, sei es der Veranda-Blues von „The Way You Make Me Feel“, seien es Rocker wie „Fire Inside“ oder „Headed for the Stars“ oder der sanfte Schmerz von „Blue Lullaby“ und „Heart Crash“.

Aber ihr showmanistischer Sinn für Abenteuer ist nie weit weg, was sich in dem Rock’n’Roller „Hoodoo Lover“ oder dem Boogie von „Taking the Good With the Bad“ zeigt.

Die Band hat einen Schlachtruf, den sie vor jedem Konzert gemeinsam ausruft – „Wir sind die Besten der Welt“. „Lass mich das erklären“, sagt er. „Wir hatten mal einen norwegischen Gitarristen. Er war die ersten 5 Jahre oder so bei uns. Der Schlachtruf „Wir sind die Besten der Welt“ (den wir auf Norwegisch rufen) stammt von einem legendären norwegischen Fußballkommentator, der diesen Satz in den 80er Jahren nach einem Sieg Norwegens gegen England in einem Fußballspiel rief. Er war ekstatisch. Hier ist eine erweiterte Version seiner Worte: „Wir sind die Besten der Welt, wir sind die Besten der Welt. Wir haben England im Fußball geschlagen. Margaret Thatcher, können sie mich hören? Winston Churchill, Lord Nelson, wir haben sie alle geschlagen, wir sind die Besten der Welt“.

„Ich glaube, was uns antreibt, ist die Liebe zur Musik“, fährt er fort. „Es ist auch die Tatsache, dass wir uns immer weiterentwickeln, immer in die richtige Richtung gehen. Wir gewinnen immer mehr Fans, erobern immer neue Gebiete. Und ich denke, wir sind gut darin, gemeinsam in der Band Spaß zu haben“. Mit einem Zwinkern fügt er hinzu: „ab und zu muss man auch mal Spaß haben.“

Diese Band hat es weit gebracht. Von den bescheidenen Anfängen im Hafen von Jyllinge, den Bars von Kopenhagen, wo sie wo sie als Coverband auftraten, bis hin zu den Konzerten heute in ihrer Heimat Dänemark, in Schweden, Deutschland und darüber hinaus, wo sie Hallen mit 1000 Plätzen ausverkaufen, internationalen Auszeichnungen, Fernsehauftritten und dem Lob einer Hollywood-Legende – haben Thorbjørn Risager & The Black Tornado das Gefühl, dass sie gerade erst anfangen.

„Wir haben die Band auf die altmodische Art und Weise aufgebaut“, sagt er. „Wir spielten in einem sehr kleinen Lokal mit etwa 20 Leuten im Raum. Beim nächsten Mal kamen dann vielleicht 80 Leute. Ein paar Jahre später haben wir den Saal mit 350 Leuten ausverkauft, und ein paar Jahre später waren wir zwei Abende hintereinander ausverkauft. Wenn man vom Blues leben will, reicht es nicht aus, nur in einem Land zu spielen, also fingen wir an durch die Welt zu reisen, und wir sind begeistert, überall spielen zu können.“

„Als ich beschloss, eine eigene „ernsthafte Band“ zu gründen, in der ich die Entscheidungen über die Musik treffen und die Songs schreiben sollte, hat die Realität meine Erwartungen völlig übertroffen. Manchmal finde ich es immer noch ein wenig surreal, meinen Lebensunterhalt mit meiner eigenen Musik zu verdienen.“

Mit zwanzig Jahren ist die Band in glühender Form und wird ihr neues Material 2022/2023 in ganz Europa vorstellen.

„Live vor einem Publikum zu spielen, gibt einem das Gefühl, lebendig zu sein, so kann man es am besten beschreiben, denke ich. Es ist gut, sich lebendig zu fühlen“, lächelt er.

Dänemarks führende Roots-Rocker Thorbjørn Risager & The Black Tornado kündigen ihr neues Album Navigation Blues für den 30. September 2022 an.

Mit Provogue haben die Dänen einen neuen Label-Partner an ihrer Seite.

Das Septett hat sich in den letzten zwanzig Jahren einen Weg durch Skandinavien, Europa, Kanada, die USA und Asien gebahnt. Mit ihrer dynamischen Bühnenpräsenz und einem Sound, der Soul, Chicago Blues, Boogie und Rock ’n‘ Roll vereint, haben sie die Massen in ihren Bann gezogen. Thorbjørn’s Stimme, in der sich Ray Charles, Van Morrison und Billy Gibbons in der Mitte treffen, ist das i-Tüpfelchen.

Sie haben die größten Festivalbühnen Europas mit ihren Tanzschuhen erobert und Jazzclubs rund um den Globus mit ihrem Low-Light-Noir-Blues beglückt.

Die mehrfach preisgekrönte Band, die demnächst ihr achtes Studioalbum veröffentlicht, hat bereits für Bonnie Raitt und die Tedeschi Trucks Band eröffnet und stand mit Legenden wie Buddy Guy, Doyle Bramhall II und Robben Ford auf der Bühne.

Risager wuchs in der kleinen Stadt Jyllinge auf, etwa 30 km von Dänemarks Hauptstadt Kopenhagen entfernt. Das ehemalige Fischerdorf liegt am Ostufer des Roskilde-Fjords mit einem geschäftigen Hafen, der, wenn der Sonnenuntergang auf den Horizont des fernen Dorfes trifft, eine atemberaubende Aussicht bietet. Beobachten man den Sonnenuntergang, während die Brise über den Fjord streicht, der die Geschichte der Wikinger aus längst vergangenen Zeiten birgt, kann man kaum anders als dasitzen, nachdenken, reflektieren und von der Welt jenseits des Horizonts träumen.

In jeder Hinsicht sind Thorbjørn Risager & The Black Tornado echte „Road Warriors“, die 9-10 Monate im Jahr auf Tournee sind, aber das ist etwas, das sie nie als selbstverständlich angesehen haben. Jedes Konzert ist eine einzigartige Erfahrung. Wenn man sich das Lächeln und die Reaktionen des Publikums ansieht, weiß man, dass das, was man tut, Sinn macht.“

Auf ihren ausgedehnten Reisen rund um den Globus haben sie Fans in allen Ecken der Welt gewonnen, darunter auch keinen Geringeren als Elwood Blues selbst, Dan Aykroyd! der ihren „heißen Rhythmus und Blues“ lobte und sagte, Risager habe „eine großartige Stimme und Präsenz und er würde den Blues spüren. Die Songs sind originell, klingen aber, als kämen sie von einer Stax-Aufnahmesession um 1965“.

Das Album beginnt mit dem Titeltrack, einem Vorkriegs-Blues, in dem sich Risager sehnt: „Trucks of darkness here, and my matches are soaking wet…will this black night ever end.“ Im Gegensatz dazu stehen die rollenden Rhythmen und die brennenden Gitarrenlicks von „Watch The Sun Go Down“ – ein Südstaaten-Rocker im Stil von ZZ Top, der einen herrlichen Sonnenuntergang in der Wüste mit einer zischenden Tarantino-Coolness untermalt.

Zwei Jahrzehnte auf Tournee durch 21 Länder haben der Band die unglaubliche Fähigkeit verliehen, zu wissen, was die Menschen bewegt – sowohl die Füße als auch das Herz. Auf Navigation Blues setzen sie diese Fähigkeit mit absoluter Präzision ein, sei es der Veranda-Blues von „The Way You Make Me Feel“, seien es Rocker wie „Fire Inside“ oder „Headed for the Stars“ oder der sanfte Schmerz von „Blue Lullaby“ und „Heart Crash“.

Aber ihr showmanistischer Sinn für Abenteuer ist nie weit weg, was sich in dem Rock’n’Roller „Hoodoo Lover“ oder dem Boogie von „Taking the Good With the Bad“ zeigt.

Diese Band hat es weit gebracht. Trotz den bescheidenen Anfängen im Hafen von Jyllinge, den Bars von Kopenhagen und nun regelmäßig ausverkauften Konzertsälen mit 1000 Plätzen in ihrer Heimat Dänemark, Schweden, Deutschland und darüber hinaus, internationalen Auszeichnungen, Fernsehauftritten und dem Lob einer Hollywood-Legende – haben Thorbjørn Risager & The Black Tornado das Gefühl, dass sie gerade erst anfangen.

„Wir haben alles auf die altmodische Art und Weise aufgebaut“, sagt er. „Wenn man vom Blues leben will, reicht es nicht aus, nur in einem Land zu spielen, also fingen wir an durch die Welt zu reisen, und wir sind begeistert, überall spielen zu können.“

Martin Turner and his band return to the concert stages during 2022 to perform two vintage Wishbone Ash album in their entirety – 1972’s Argus (celebrating the album’s 50th anniversary) and 1973’s Wishbone Four.

Wishbone Ash was formed by West Country musicians Martin Turner and Steve Upton, who arrived in London in 1969 to embark on their musical journey. Intent on creating a musical sound that was rich in texture and melody, Martin Turner envisaged the band’s innovative harmony-guitar hallmark and guitarists Ted Turner and Andy Powell were recruited via a now legendary Melody Maker advert. The partnership of the original line-up of Wishbone Ash forged a unique musical identity that would produce some of rock music’s best loved works and influencing numerous successful bands, resulting in millions of album sales and concert attendances. Wishbone Ash would become one of the most enduring British rock acts – its name synonymous with high quality guitar-driven melodic rock music.

Five decades later, the music of the classic line-ups of Wishbone Ash continues to delight audiences worldwide through both live performances and a rich legacy of recorded work that continues to be enjoyed by fans old and new. Classic album releases such as Wishbone Ash, Argus, Pilgrimage, Wishbone Four, There’s the Rub,
New England and Live Dates defined the Wishbone Ash sound and have touched the hearts of several generations of music fans. As lead vocalist, bassist and key creative force, founding original member Martin Turner was central to the critical and commercial success of Wishbone Ash’s most revered albums, with his passionate vocal delivery, songwriting ability, keen melodic sense and production values being major ingredients in the definitive Wishbone Ash sound. Martin Turner continues to delight audiences with performances of the band’s best loved works with his current line-up, which features guitarists Danny Willson and Misha Nikolic, and drummer Tim Brown.

The 2022 tour will see Martin and his band performing two vintage albums back to back in addition to other Wishbone Ash classics.

Featuring epic tracks such as “The King Will Come”, “Warrior” and “Throw Down the Sword”, Wishbone Ash’s seminal 1972 Argus album achieved a #2 UK album chart position and won UK music press “Album of The Year” awards. On its 50th anniversary, Argus remains one of the most enduring works of the classic rock era.

1973’s Wishbone Four album explored fresh territory and contained shorter songs, a strong folk influence on several tracks, a harder rock sound on others and included stage favourites “Doctor”, “Rock n Roll Widow” and “No Easy Road” alongside deep cuts such as “Everybody Needs a Friend” and “Sorrel”. Wishbone Four reached #12 in the UK. The 2022 tour marks the first time the album has been played live in its entirety.

This double bill of vintage Wishbone Ash albums is an event that no Wishbone Ash aficionado will want to miss.

Line up:
Martin Turner – Lead Vox, Bass
Danny Willson – Guitar, Vox
Misha Nikolic – Guitar, Vox
Tim Brown – Drums, Percussion, Vox

Bang! Bang! Bang! Boppin’ B is back in town! Und wenn Deutschlands erfolgreichstes Rock’n’Roll–Quintett loslegt, stehen alle Regler auf elf – Schweiß, gute Laune und lachende Gesichter vor und auf der Bühne inklusive. Der musikalische Fünfer mag in den Jahren seit der Bandgründung 1985 auf den Straßen Europas schon einiges an Staub gefressen haben, aber der abendliche Auftritt entlohnt stets für alle Mühen.

Das normalerweise im Bandbus gut durchgesessene Sitzfleisch hat durch den Corona–Lockdown einiges an zusätzlichen Energiereserven gespeichert, die in einer wilden, abgefahrenen Performance abgebaut werden müssen: Da wird der Kontrabass gefühlt aus allen Himmelsrichtungen bespielt und genauso erklommen wie die Verstärker, das Schlagzeug oder auch das eine oder andere Bandmitglied.

Bis einschließlich August konnten ca. 70 Shows aufgrund der Epidemie nicht gespielt werden, umso mehr freut sich die Band nun wieder quasi frisch und unverbraucht auf der Bühne stehen zu dürfen. Kurzum: Spaß zu haben und alles nicht allzu ernst zu nehmen – am wenigsten sich selbst, was auch der Titel des Anfang 2020 erschienenen Albums belegt: „We Don’t Care“, welches sogar die deutschen Albumcharts knackte.

Ach ja, apropos frisch und unverbraucht: Für neue Töne am Mikro und noch mehr Leben auf und vor der Bühne sorgt seit 2018 der neue Frontmann Michi Bock, mit dem man die seit Dekaden erfolgreiche Reise fortsetzt. Stillstand war gestern – Boppin’ B ist nach wie vor auf der Höhe der Zeit und manchmal sogar auch noch etwas voraus.

Boppin’ B sind:
Michi Bock – Gesang
Golo Sturm – Gitarre
Frank Seefeldt – Sax
Didi Beck – Kontrabass
Thomas Weiser – Trommel

DIE GESCHICHTE VON MOLLY HATCHET

In den frühen 1970er Jahren entwickelte sich im Süden eine neue Musikrichtung. Eine Mischung aus Blues, Country, Gospel und der englischen Invasion des Rock’n’Roll, die später den Begriff „Southern Rock“ prägen sollte. Die Musik war voller Stil und Emotionen und mit Bands wie den Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd und einer Band aus Jacksonville, Florida, namens Molly Hatchet, an der Spitze. Benannt nach einer berühmten Axtmörderin aus dem 17. Jahrhundert, „hatchet molly“, die ihre Liebhaber mit dem Werkzeug enthauptete, das Lizzy Borden berühmt machte.

Ihr selbstbetiteltes Debütalbum wurde 1978 auf Epic Records veröffentlicht und erreichte Mehrfach-Platinstatus, als die Band ihren Ruf, hart zu arbeiten, hart zu spielen und schnell zu leben, durch intensive Tourneen mit Bands wie Aerosmith, Bob Seger, den Rolling Stones und vielen anderen begründete. 1979 wurde „Flirtin‘ With Disaster“ veröffentlicht, und damit wurde Geschichte geschrieben. Die Band tourte weiter und absolvierte durchschnittlich 250 Live-Shows pro Jahr, und wie das erste Album erreichte auch dieses Multi-Platin-Status. Leadsänger Danny Joe Brown verließ die Band 1980 und kontaktierte Bobby Ingram, einen in Jacksonville ansässigen Gitarristen und Freund, der Brown 1975 seinen ersten Auftritt als Sänger in einer in Jacksonville ansässigen Band namens Rum Creek gab. Brown und Ingram stellten daraufhin mit dem Keyboarder John Galvin die Danny Joe Brown Band zusammen und tourten bis 1982. Das Album wurde von Glyn Johns in den Compass Point Studios auf den Bahamas produziert, der bereits mit legendären Künstlern wie den Rolling Stones, den Beatles, The Who, The Eagles und vielen anderen zusammengearbeitet hat.

In dieser Zeit wurden auch Beatin‘ The Odds (1980) und Take No Prisoners (1981) mit dem Sänger Jimmy Farrar veröffentlicht. Brown kehrte zurück, um No Guts … No Glory (1983), The Deed Is Done (1984) und Double Trouble Live (1985) aufzunehmen. 1985 kam Bobby Ingram aus Jacksonville als Lead-Gitarrist und Songschreiber in die Band, und die Band tourte weiterhin mit über 200 Terminen im Jahr und nahm 1989 Lightning Strikes Twice für Capitol Records auf.

Während Ingram, Galvin und Brown 1990 die Tradition als Molly Hatchet fortsetzten, führte der harte Tourneeplan zum Ausstieg der anderen Mitglieder aus der Band. Das Greatest Hits Album wurde 1991 veröffentlicht und mit Gold ausgezeichnet. Von 1990 bis 1995 legte die Band eine Pause ein, schrieb aber weiterhin neue Songs und tourte durch die Vereinigten Staaten, Kanada und Europa. Devil’s Canyon, das erste Studioalbum seit 6 Jahren, wurde dann 1996 in Hamburg unter der Obhut und Leitung von Rainer Hansel, CBH Records, aufgenommen. Mit den Produzenten Kalle Trapp und Bobby Ingram wurde das Album 1996 zur Nummer eins der Rockmusik in Europa gewählt. Aufgrund einer Diabetes-Erkrankung war Brown nicht mehr in der Lage, Studio- und Tourneeverpflichtungen nachzukommen, und er holte Phil McCormack als Leadsänger. Das langjährige Mitglied Bobby Ingram – Leadgitarre, Phil McCormack – Leadgesang, John Galvin – Keyboards, Bryan Bassett – Leadgitarre, Andy McKinney – Bass, Mac Crawford – Schlagzeug, bilden das aktuelle Lineup.

Seit der Veröffentlichung von Devil’s Cannon und den weltweiten Tourneen, die von Steve Green, Artists International Management, koordiniert wurden, hat die Band weiterhin die klassischen Hits wie „Flirtin‘ With Disaster“, „Gator Country“, „Whiskey Man“ und „Dreams I’ll Never Dee“ sowie die aktuellen Hits im wahren Geist und in der Südstaaten-Tradition von Molly Hatchet gespielt. Das 1998 erschienene Album „Silent Reign Of Heroes“ wurde wieder in Hamburg mit dem Produzenten und Gitarristen Bobby Ingram aufgenommen und steht mit den neuen Hits „Mississippi Moon Dog“, „Saddle Tramp“, „Miss Saturday Night“ und dem Titeltrack „Silent Reign Of Heroes“ in der gleichen Tradition wie die Vorgänger. Auf dem Album ist auch eine akustische Version des Klassikers „Fall Of The Peacemakers“ enthalten. Die Band befindet sich derzeit auf einer ausgedehnten 18-monatigen Welttournee zur Unterstützung des neuen Albums „Kingdom of XII“, bei dem der Gastkünstler Charlie Daniels bei 2 Titeln mitwirkte, das in Europa die Charts erreichte und sehr erfolgreich war.

Im Jahr 2003 feiert die Band ihr 25-jähriges Jubiläum der ersten nationalen oder internationalen Veröffentlichung mit einem doppelten Live-Album „Locked and Loaded“, das in Deutschland aufgenommen wurde, da sie dieses Land als ihre Heimat betrachten. Es ist das erste Mal seit 7 Jahren, dass ein Live-Album die europäischen Charts erreicht hat und die SPV GmbH ist immer noch die geliebte Plattenfirma von Rainer Hansel und Manfred Schutz. Die Band plant eine Tournee zum 25-jährigen Jubiläum und wird ein neues Studioalbum mit allen klassischen Songs veröffentlichen, die in dieser Generation der Band neu aufgenommen wurden, mit Artists International Management, Inc. als ihre Agentur. Und Locked and Loaded, eine Doppel-CD, die in Deutschland auf dem Internationalen Harley Davidson Festival vor 80.000 Südstaaten-Rockern aufgenommen wurde, wurde nun auf DVD gebannt und wird im Herbst 2005 veröffentlicht.

Nach 4,5 Jahren Tourneen und Aufnahmen außerhalb des Studios war es an der Zeit, ein Album zu veröffentlichen, das in der Tradition der Band zu den Wurzeln des geradlinigen Southern Rock’n’Roll zurückgeht und das mit nichts vergleichbar ist, was die Band in ihrem 25-jährigen Bestehen bisher aufgenommen hat. Das Album „Warriors of the Rainbow Bridge“, das in den Bergen Bayerns aufgenommen wurde, war der perfekte Rahmen für ein solch umfassendes Projekt. Da wir von Tag zu Tag leben, konnte niemand ahnen, dass Bobby Ingram während der Aufnahmen zum Album den Verlust seiner Frau Stephanie erleiden und das Album mit Verzögerung beenden würde. Stephanie war das siebte Mitglied von Molly Hatchet und sie hat viele Dinge hinter den Kulissen getan, die niemand je gesehen hat, und sie war nie die Person, die jemals etwas als Gegenleistung wollte. Die Southern-Rock-Gemeinde hat eine großartige Person verloren, die alles gegeben hat und Molly Hatchet und die Freunde, die sie auf ihrem Weg gefunden hat, geliebt hat. Danny Joe Brown, der Sänger von Molly Hatchet, verstarb an den Folgen einer Diabeteserkrankung, an der er seit vielen Jahren litt. Er hat der Rock’n’Roll-Industrie und der Musik auf der ganzen Welt so viel gegeben, dass wir seiner Familie und seinen Kindern unser herzliches Beileid aussprechen und für ihn beten werden. Im Jahr 2006 verstarb Duane Roland, der Gitarrist der Band, und hinterließ ebenfalls ein Vermächtnis, das nie vergessen werden wird. Wir werden ihn alle vermissen und seine Musik lebt weiter. 2005 kehrte Dave Hlubek, ein Gründungsmitglied, der in verschiedenen Bands in den Vereinigten Staaten gespielt hatte, nach 20 Jahren zu Molly Hatchet zurück. Alle waren froh, Dave zu sehen, wie er sich amüsierte und das tat, was er am besten kann… die Tradition lebt weiter!!!

Im Jahr 2017 wird die Band an den Persischen Golf reisen, um ein besonderes Konzert für das in den Vereinigten Arabischen Emiraten stationierte US-Militär zu spielen, und dann weiter nach Okinawa, Japan, um für unsere engagierten Truppen im Südpazifik aufzutreten.

Während wir also in die nächsten 40 Jahre Musik eintreten, entwickelt die Tradition von Molly Hatchet das gemeinsame Band der Südstaaten-Rocker weiter und hält den Südstaaten-Stil der Musik lebendig. Seien Sie versichert, dass Molly Hatchet eine Band ist, die nach 40 Jahren immer noch hart arbeitet, hart spielt, schnell lebt und immer noch mit dem Desaster flirtet!!!

Benannt nach einer Straße in ihrer Heimat Memphis, Tennessee, U.S.A. kommt diese großartige fivepiece Band Southern Avenue daher. Seit ihrer Gründung 2015 konnten Southern Avenue in den Staaten schon einige Erfolge verbuchen. So konnten sie zum Beispiel mit ihrem selbstbetitelten Erstlingswerk # 6 der US Billboard Top Blues Album Charts und #1 der iTunes Blues Charts entern.

„Alle Bandmitglieder haben verschiedene Erfahrungen, verschieden Kulturen und somit einen unterschiedlichen Background. Man kann uns in keine Schublade stecken. Southern Avenue klingt anders als jede andere Band. Und das ist etwas, auf das ich sehr stolz bin“, so Gitarrist Ori Naftaly.

Der Mix aus Soul, Blues, Gospel und R&B gepaart mit der fantastischen Stimme der Frontfrau Tierinii Jackson zieht wirklich jeden Zuhörer in seinen Bann. Aber nicht nur auf Platte funktionieren Southern Avenue, nein, live legt die Band noch einen drauf! Sollte man noch nichts von Southern Avenue gehört haben, so muss man sich den 03. Juni fett im Kalender ankreuzen. Dann nämlich geben sie ein exklusives Konzert im Musiktheater Piano in Dortmund. Hier gibt es natürlich auch Songs aus ihrem aktuellen Album „Be The Love You Want“, das letztes Jahr erschienen ist. Produziert wurde das Album übrigens vom mehrfachen Grammy-Gewinner Steve Berlin (u.a. Los Lobos, Susan Tedeschi)

Also … hingehen!

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EINE DER BESTEN BLUES-ROCKBANDS EUROPAS

Rhythm & Blues in reinster Form, kompromisslos und ehrlich in perfekter Darbietung, fernab von der distanzierten Art einer Studioaufnahme. Das ist es, was die Pee Wee Bluesgang ihrem Publikum in ihrer sympathischen und offenen Art und Weise offeriert. Ihr Kontakt zu den Fans ist schon fast freundschaftlich und man merkt jedes Mal aufs Neue: bei den Pee Wee’s kommt der Blues aus vollem Herzen.

Richard Hagel, der 2013 sein 50jähriges Bühnenjubiläum feierte, betont immer wieder: „Musik hält jung“ und ist dafür selbst der beste Beweis. Der charismatische Sänger und Frontmann hat nichts von seiner fantastischen Stimme und Bühnenpräsents eingebüßt.
Auch Thomas Hesse, ein herausragender Gitarrist, beweist, dass Musik die Lebensart beeinflusst; er lebt und liebt die Musik. Beide sind Neuem gegenüber offen, aber stehen auch für die Kontinuität der Ur-Stilistik des Blues- und Rockmusik.
Thomas Hesse und Richard Hagel sind die Ur-Pee Wee‘s. Seit Jahren werden sie von ihrem Schlagzeuger Martin Siehoff begleitet. Das jüngste Bandmitglied ist seit 2010 der legendäre Bassist Andreas Müller.

In ihrer langjährigen Geschichte hat die Pee Wee Bluesgang tausende von Auftritten im In- und Ausland absolviert. Die Band weiß nicht nur 80.000 Fans in Russland zu begeistern, sondern zeigte ihre musikalische Bandbreite auch auf Bluesfestivals und bei Konzerten mit dem Philharmonischen Orchester Südwestfalen. Auch der legendäre Auftritt im Rockpalast 1982 soll hier erwähnt werden. Die Pee Wee’s ziehen die Menschen stets in ihren Bann.

Heute ist die Pee Wee Bluesgang, die 1977 als bluesige Coverband entstand, eine der ältesten Bluesbands in Deutschland.
In den 70ern lernten Thomas Hesse & Co. von Größen wie B.B. King, Hendrix, Clapton, Beck und Muddy Waters.
Seitdem zeigen 19 Alben (CDs) mit vorwiegend Eigenkompositionen den Sound und das einzigartige Repertoire der Pee Wee‘s.

GIVE ME YOUR SOUL AND I GIVE YOU MY BLUES
PEE WEE BLUESGANG DEUTSCHLANDS LANGLEBIGSTE UND ERFOLGREICHSTE BLUESBAND

„Heut´ Nacht will ich den Blues. N´ Sechserpack Bier und den Blues.“ Was eignet sich dazu besser als eine der besten Rhythm & Blues Bands Europas? Was eignet sich besser als die Pee Wee Bluesgang?

Kompromisslos, ehrlich und direkt – direkt ins Blut. “Feel the Blues”. Beste musikalische Livepower seit 1977. Musik aus dem Herzen von absoluten Vollblutmusikern. Sie leben und lieben genau das, was sie auf der Bühne zelebrieren – den Blues.
Doch dies geschieht nicht nur live, sondern auch auf inzwischen 19 CDs. Bei dem überwiegend aus Eigenkompositionen bestehenden Sound und den typischen Pee Wee-Songs springt der Funke selbst im heimischen Wohnzimmer über.

Die Stärke der Band liegt jedoch zweifelsfrei in den Pee Wee Bluesgang-Livekonzerten. Mit Richard Hagel steht ein Frontmann auf der Bühne, der das Publikum unweigerlich in seinen Bann zieht. Man spürt was ihm die Musik bedeutet. Charismatisch und ausdrucksstarkes Auftreten sind sein Markenzeichen. Dazu die fantastische Gitarre von einem der besten Bluesgitarristen Europas – Thomas Hesse. Er weiß einfach was er macht. Jeder Ton lebt, jeder Ton ist ein Treffer, jeder Ton ein Erlebnis.
Martin Siehoff gibt den Takt, gibt den Groove vor, welcher durch die tiefen Töne von Andreas Müller am Bass perfekt getragen und abgerundet wird. Ein perfekt aufeinander eingespieltes Team. Eine Band der Extraklasse.

Tausende Auftritte sprechen für sich. Gigs im In- und Ausland. Konzerte vor 80.000 russischen Fans. Zuhause in großen und kleinen Hallen, auf Festivals, in Clubs und sogar mit dem Philharmonischen Orchester Südwestfalen.

Unvergessen der legendäre Auftritt im Rockpalast 1982. Einmal vom Rockpalast-Kultmoderator Alan Bangs angesagt werden. Die Pee Wee´s erlebten es. „German Television proudly presents: Liebe Freunde, heute zu Gast bei uns im Rockpalast: Die Pee Wee Bluesgang!“ Mehr geht nicht.

„Heut´ Nacht will ich den Blues. Heut ‘ Nacht will ich die Pee Wee Bluesgang!“

PEE WEE BLUESGANG – THE GUARDIANS OF BLUES

Gegründet 1969 in London, England, sind WISHBONE ASH eine der einflussreichsten Gitarrenbands in der Gesichte des Rocks. Gleichermaßen inspiriert durch britischen Folk, amerikanischen Jazz und R&B, erspielte die Band sich öffentliche Zustimmung und Kritikerlob. Energie und Melodie haben The ASH zu einem schwer zu überbietenden Act gemacht, der aktuell durch eine neue Generation treuer Rockfans entdeckt wird. Über die Jahre hat die Band mit diversen musikalischen Genres experimentiert, von Folk, Blues und Jazz bis hin zu Pedal-to-the-Metal Rock und Electronica. Egal in welchem Stil, WISHBONE ASH’s unverkennbares Alleinstellungsmerkmal ist ihr Zusammenspiel zweier Leadgitarren, das unter anderem Bands wie Thin Lizzy, Lynryd Skynryd, Iron Maiden und Opeth beeinflusste.

Als wahre Krieger der Straße legt die Band jährlich rund 30.000 Meilen zurück, das entspricht etwa einer Erdumrundung. Den Sommer werden WISHBONE ASH im Studio verbringen, um ein neues Album aufzunehmen. Damit bringen sie ihren künstlerischen Output auf 25 Studioalben, 11 Livealben, sowie fünf Live-DVDs und die DVD Rockumentation „This is Wishbone Ash“. Ebenfalls erhältlich sind die fünfte Roadworks CD “Live in Sacramento”, die während der Nordamerika-Tour in 2018 aufgenommen wurden, und die ersten offiziellen Re-Releases von “Twin Barrels Burning” aus 1982 und “Raw to the Bone” aus 1985.

Zusätzlich kommen zum Jubiläum auch einige ältere Aufnahmen wieder ans Licht, so z.B. Snapper Records‘ neuester Release, “Live in Glasgow” von 1977. Ebenso der legendäre und sehnsüchtig erwartete TV-Mitschnitt “Live from Rockpalast” (Deutschland, 1970er Jahre), der demnächst beim Label „Made in Germany Music“ erhältlich sein wird. Doch damit nicht genug: WISHBONE ASH halten noch eine Vielzahl anderer Projekte bereit – das 50-jährige Jubiläum wird umfangreich mit Veröffentlichungen und Ereignissen begleitet.

2015 erschienen Andy Powells musikalische Memoiren mit dem Titel “Eyes Wide Open: True Tales of a Wishbone Ash Warrior,” an dem auch der renommierte irische Musikjournalist Colin Harper mitgeschrieben hat (verfügbar als E-Book für Kindle oder Apple iBook). “Es ist ein ziemliches Unterfangen 46 Jahre als tourender Musiker in dieser einen Band in Buchform zu bringen,” so Powell “Ich habe viele Veränderungen in der Musikindustrie und auch generell in der Welt gesehen, wie man sich vielleicht vorstellen kann.” Fest steht: keine andere Rockband in der Geschichte hat mehr mit dem Twin-Guitar-Konzept gespielt als WISHBONE ASH.

Erleben Sie die meistgebuchte Dire Straits-Tribute-Band Europas live!

Diese erfahrene, sympathische Formation hat es sich zur Aufgabe gemacht, ihrem Publikum die Musik der Dire Straits mit voller Leidenschaft und musikalischer Klasse zu präsentieren. Im Vordergrund steht der Sound, der um die Welt ging – eine Gitarre, die keiner von uns je vergessen wird. Wolfgang Uhlich wird dabei von vielen fachkundigen Fans im In- und Ausland als bester Mark Knopfler Imitator angesehen – „Gänsehaut pur“.

Die Band hat sich mit über 500 Konzerten fest in der deutschen Musiklandschaft etabliert. Höhepunkt ist der Sieg des bundesweiten Tribute-Contests 2011 in Koblenz mit 100 teilnehmenden Tributebands. Durch enorme Wandlungsfähigkeit wird ein Live-Programm für alte Kenner und neue Fans geschaffen, getreu dem Motto: „Es ist für jeden etwas dabei“! Klassiker wie „Walk of Life“, „Sultans of swing“ und „Brothers in Arms“ dürfen nicht fehlen, ebenso wenig wie neuere Solostücke von Mark Knopfler. Das alles geschieht zu 100% live! Keine Hilfsmittel, keine Tricks – mit Individualität, musikalischem Feingefühl, präzisem Solospiel und dem richtigen „Draht“ zum Publikum wurden in den letzten Jahren die Bühnen und die Herzen der Fans im Sturm erobert.

Wozu eigentlich noch lange schreiben? Musik muss man erleben. Und seit 2004 sind die dIRE sTRATS die erste Adresse, um die Musik der 1992 aufgelösten Dire Straits wieder live zu erleben! Wer diese einzigartige Band bei einer Live-Performance mit ihrer Musik hautnah erleben möchte, der sollte sich eines ihrer Konzerte nicht entgehen lassen.

Es ist die 26. und letzte offizielle UK Subs Platte in ihrer alphabetischen Albumfolge, die sie 1979 mit „Another Kind of Blues“ begonnen haben, und die nun „Ziezo“ endet.

Mit dem fantastischen Line Up bestehend aus Charlie Harper am Gesang, Steve Straughan an der Gitarre, Alvin Gibbs am Bass und Jamie Oliver am Schlagzeug, ist es weiterhin das Ziel der UK SUBS ihre Fans zu begeistern und eine fesselnde Live-Show zu bieten.

Wie ein edler Wein werden die UK SUBS besser und besser.

U.K.SUBS MAIN LINE UP:
Charlie Harper – Gesang
Steve Straughan – Gitarre
Alvin Gibbs – Bass
Jamie Oliver – Schlagzeug

Infos folgen!

Man brauchte nur in den Gesichtern der Fans vor der Bühne zu lesen und wusste gleich: So gut war das Rock-Nebelhorn aus Detroit schon lange nicht mehr.

Landauf, landab hat Mitch Ryder im vergangenen Winter schmerzgetränkte Messen der Rockmusik zelebriert. 28 Konzerte in 32 Tagen. Er kommt auf die Bühne und gibt alles. Zwei Stunden lang. Beseelt gingen die Leute nach dem Konzert heimwärts. „So würde Jim Morrison mit 71 klingen“, schrieb die ehrwürdige ZEIT, der WDR widmete dem Rock-Haudegen eine einstündige Hörfunk-Reportage und die Berliner Zeitung fragte: „Wann haben die Stones ‚Gimme Shelter’ zuletzt so hingelegt, vor dreißig Jahren vielleicht?“ Jetzt ist der Sänger mit dem lauernden Vibrato in der Stimme wieder unterwegs durch die Clubs und Säle mit einer brandneuen  CD „Stick This In Your Ear“  im Tourgepäck, „Das wird vielleicht mein wichtigstes und ganz sicher eines der besten Alben, die ich je gemacht habe“, sagt Mitch Ryder über dieses Album das den Vergleich mit seinem 1979er Meisterstücks „Naked But not Dead“ nicht zu scheuen braucht.

Seit der „Vacation“-LP und Ryders legendärem TV-Auftritt im ARD-Rockpalast sind mittlerweile 38 Jahre vergangen. Jene Vollmondnacht, jenes alptraumhaft entrückte Konzert in der Essener Grugahalle ist längst zur Legende verklärt. Für Mitch Ryder war es der Beginn seiner Beziehung zu Deutschland, die seitdem nicht abgerissen ist. Jetzt auf 3 -fach CD und Doppel – DVD !

„Diese Nacht war für mich eine Chance“, sagt er heute, „wie man sie vielleicht nur einmal im Leben hat.“ In Amerika wollen seine Fans vor allem die Uralt-Hammerhits aus den Sechzigern hören. „In Europa mache ich völlig andere Musik“, sagt Ryder. „Hier erlaubt man mir, Künstler zu sein. Deshalb liebe ich Europa.“ Seit nunmehr 23 Jahren ( 452 Konzerte ) wird er in Europa von der ( Ost) – Berliner Band Engerling begleitet.

„Schwitzend, schluchzend und schreiend irrt er durch die fiebrigen Sümpfe seiner Songs, verbeißt sich in die Wörter, saugt sie ein und stößt sie wieder aus, jedes Wort ist eine Waffe. und sein Gegner, das ist er selbst.“ – Berliner Zeitung

„Als ich mein Comeback versucht hab‘, war’s mir völlig egal, ob ich damit Geld verdiene oder nicht. Es war, als ob Du eine alte Geliebte anrufst und sagst, Hey Schatz, da bin ich wieder. Und sie war da. Sie hatte schon auf mich gewartet.“ – Mitch Ryder im WDR

„Dann steht er oben am Mikro. ‚Good evening, ladies and Gentlemen’, sagt er nur, mit einer Stimme, die geradewegs aus den Tiefen der Hölle zu kommen scheint. ‚My name is Mitch Ryder, I’m from Detroit.’ Und plötzlich ist alles gut.“ – Wirtschaftsmagazin brand eins

„Ryders größtes Talent ist Dynamik, die Stille hinter dem Schrei. Bodag beorgelt die blauschwarze Messe, Manne Pokrandt basst fett, die Gitarristen Heiner Witte und Gisbert Piatkowski halten Ryders schwere Lok unter Dampf und auf doppeltem Gleis. Wie betäubt ballt sich das Volk im heißen Qualm.“ – DIE ZEIT

25! In Worten: fünf-und-zwan-zig! Wo sind all die Jahre hin? „Vermutlich dahin, wo all die Kilos herkommen“, sagt OHRENFEINDT-Frontmann Chris Laut. „Als wir das damals angefangen haben, hat keiner darüber nachgedacht, was wohl in 25 Jahren sein wird. Dann drehst Du Dich zweimal um die eigene Achse, spielst ’n paar Shows, machst ’n paar Alben – und zack: ein Vierteljahrhundert rum. Was für ein unfassbarer Ritt!“

1994 gründet Laut mit zwei Mitstreitern im Hinterzimmer eines Musikalienhändlers auf St. Pauli ein noch namenloses Trio. Alle drei Musiker sind bekennende Helge-Schneider-Fans – und so ist ein Hörspiel aus dem Frühwerk der singenden Herrentorte ursächlich für die Namensfindung der Kapelle: man einigt sich auf „Ohrenfeind“. Das findet Laut aber nicht kraftvoll genug. Er kauft ein T und möchte lösen: OHRENFEINDT.

In der heutigen Besetzung Laut, Andi Rohde und Keule Rockt rockt das Bum Bum Ballett von der Reeperbahn jeden, der nicht bei Drei auf dem Baum ist, inzwischen mit Album Nr. 8, „Tanz nackt“, im Gepäck.

Man könnte meinen, das der laute Dreier sich nun langsam mal auf das Roggenrohl-Altenteil vorbereitet. Weit gefehlt! Das Vollgasrock-Terzett sieht sich nach 25 Jahren und ziemlich genau so vielen Kilos erst am Anfang der zweiten Karriere-Hälfte.

Die Band bittet zum reichlichen Besuch. So jung kommen wir ja nicht wieder zusammen. Oder wat?

DIE FIRST LADY DES ROCK/BLUES

EUROPA-TOURNEE MÄRZ/APRIL 2023
NEUES ALBUM ERSCHEINT IM MÄRZ 2023

Saris Erfolg kam „über Nacht“, nachdem sie jahrelang den rauen Weg des Lebens einer hart arbeitenden Blues-Frau beschritten hatte. Von ihren bescheidenen Anfängen in der Musikszene der legendären South Bronx in New York und der Lower East Side in Manhattan bis hin zu Live-Auftritten an so renommierten Orten wie der Carnegie Hal und in Fernsehshows wie Conan O’Brian.

Die in New York lebende Sari Schorr wurde zunächst in der Blueswelt bekannt, nachdem sie mehrere Jahre mit der Blueslegende Joe Louis Walker und dem berühmten Gitarristen Popa Chubby durch die USA und Europa getourt war.  Schorr wurde kürzlich in die New York Blues Hall of Fame aufgenommen.

Ein zufälliges Treffen mit dem legendären Plattenproduzenten Mike Vernon (Fleetwood Mac, John Mayall, David Bowie, Eric Clapton, Peter Green) in Memphis im Januar 2015 brachte Saris Karriere in eine neue, aufregende Richtung. Innerhalb von 5 Minuten, nachdem er Sari singen gehört hatte, bot er ihr an, Saris Debütalbum zu produzieren. Durch Mikes Verbindung wurde Sari sofort bei Großbritanniens führendem Rock/Blues-Label – Manhaton Records – unter Vertrag genommen.

Sari hat 2 Alben produziert, ihr Debütalbum „A Force Of Nature“ und nun „Never Say Never“. Never Say Never wurde in Atlanta, Georgia, von dem angesehenen Produzenten Tom Tapley (Elton John, Blackberry Smoke, Counting Crows) abgemischt. Beide Alben wurden von der Kritik für ihren stürmischen Gesang und ihre emotionsgeladenen Auftritte gelobt.

In den letzten 4 Jahren gründete Sari ihre eigene Band und tourte ausgiebig durch die USA und Europa. Viele Musikkenner bezeichnen Sari als eine moderne Mischung aus Janis Joplin und Tina Turner – eine glühend heiße Rocksängerin, die emotionale Intensität ausstrahlt, sich mit ihrem Publikum verbindet und es inspiriert und einen bleibenden Eindruck hinterlässt, der größer ist als das Leben. In einer Rezension ihres letzten Albums schrieb ein angesehener Musikkritiker: „Es könnten einem leicht die Superlative ausgehen, um zu beschreiben, was eine der besten weiblichen Stimmen sein muss, die es derzeit gibt.“

Band Line-up:

Sari Schorr
Ash Wilson – Guitar
Mat Beable – Bass Guitar
Roy Martin – Drums
Bob Fridzema  – Keyboards

ZITATE:

“SPELLBINDING” – National Rock Review
„GAME-CHANGING“ – Classic Rock Magazine
„REMARKABLE TALENT“ – Powerplay Magazine
„SHEER PERFECTION“ – Fireworks Magazine
„DEPTH AND SINCERITY“ – Metal Discovery
“PREMIER LEAGUE“ – Rock Society
“POSITIVELY ENGROSSING”-  Raw Ramp
“SUBLIMELY INTENSE & HAUNTING” – Spin Sunday
„A SCHORR-FIRE WINNER“ – Music Republic Magazine
„SOUL STIRRING“ – FabricationsHQ
„MODERN BLUES BRILLIANCE“ – Jace Media
„VOCALIST OF POWER AND DEPTH“ = Blues Doodle
„POWERFUL & HEARTFELT VOCALS“ – Rhythm & Booze

PHYSICAL GRAFFITI – Schon zahlreiche Bands haben versucht die Songs von Led Zeppelin so originalgetreu wie möglich wiederzugeben und zu interpretieren, doch nur wenige waren wirklich erfolgreich. Im Jahre 1997 änderte sich dies allerdings. Die Band Red Stuff, die hauptsächlich Songs aus den siebziger Jahren spielte, wurde von ihren Fans aufgefordert ihr Led Zeppelin Repertoire auszuweiten, was zur Gründung einer der wahrscheinlich besten Tribute-Bands – namens Physical Graffiti– führte.

Der Name Physical Graffiti ist gleichzeitig Titel des 1975 erschienenen Albums von Led Zeppelin, wodurch ein direkter Bezug zur Originalband hergestellt wird, denn wenn dieses Stichwort fällt, weiß jeder Rockfan, was und vor allem wer gemeint ist. Letztere sind in gewisser Weise Vergangenheit, doch ihr musikalisches Erbe wird mit großem Stolz und Leidenschaft von Physical Graffiti am Leben erhalten.

Jedes Bandmitglied weist einen enormen musikalischen Background auf. Der englische und in Holland lebende Sänger Andrew Elt beispielsweise spielte bereits in Bands wie Gin On The Rocks, Sleeze Beez und tourt mit dem Gitarrenvirtuosen Walter Trout. Dort fungierte er zunächst als Tour-Manager, später stand er gemeinsam mit der Band auf der Bühne und gab sowohl sein gesangliches als auch instrumentales Können zum Besten. Generell ist Andrew Elt als ein sehr gefragter Sänger für Rocksessions, denn mit seiner Stimme vermag er die originären Tonlagen von Bands wie Led Zeppelin, Deep Purple, Guns N’ Roses, AC/DC, Van Halen usw. verblüffend gut nachempfinden.

Der irische Bassist Dave Harrold brachte sich das Gitarre spielen selbst bei, widmete sich jedoch relativ schnell dem Bass und stellte mit diesem sein Können in den holländischen Bands Re-Experience, Clemens V.D. Ven Band und Boerenleenband unter Beweis. Schließlich hat er noch die Mandoline in sein Repertoire aufgenommen, womit er seine Kollegen von Physical Graffiti bei einigen wundervollen Led Zeppelin Akustik-Nummern in typischer John Paul Jones-Manier begleitet.

Der Gitarrist Daniel Verberk begann mit 11 Jahren mit diesem Instrument, arbeitete später als Backline-Techniker für Vengeance, war daraufhin Gitarrist in den Bands Heavy 70’s und The Moon und tourte seit 2006 als Stagemanager und Backline-Techniker für diverse internationale Acts.

Jan Gabriel ist der Schlagzeuger von Physical Graffiti. Seit langer Zeit tourt er mit seiner Big Band durch die USA und Europa. Zudem unterstützt er u.a. Bands wie die Guano Apes auf der Bühne. Ferner ist er in unterschiedlichen klassischen Orchestern aktiv und als Lehrer betreut er das Projekt Band Apart, in dem Quentin Tarantino´s Filmmusik gespielt wird.

Physical Graffiti zeigen auf der Bühne ihr großes künstlerisches Talent, indem sie gekonnt die Songs von Led Zeppelin interpretieren. Physical Graffiti rocken!

Line Up:
Andrew Elt: vocals
Dave Harrold: bass, violin
Daniel Verberk: guitars
Jan Gabriel: drums, percussions
Remco Van Zandvoort: keyboards

Shooter Promotions proudly presents…
*** Samantha Fish mit ihrem neuen Album „Kill Or Be Kind“ (Rounder/in-akustik) auf
Deutschland-Tour!***

„Die altehrwürdige ‘New York Times’ bezeichnete Samantha Fish zu Recht als „eine beeindruckende Blues- Gitarristin, die mit süßer Kraft” singe, sie sei eines der „vielversprechendsten jungen Talente des Genres“. Wer Samantha bisher noch nicht live erleben durfte, muss nun – leider – bis nächstes Jahr warten. Im März werden die „Kill Or Be Kind“ – Tourtermine nachgeholt. Wer dann noch nicht genug von ihr bekommen hat, der kann im Herbst nächsten Jahres einen Nachschlag bekommen. Dann nämlich geht sie zusammen mit Kenny Wayne Shepherd auf Tour. 2022….DAS Samantha Fish – Jahr!“
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Die genresprengende US Gitarristin, Sängerin und Songwriterin Samantha Fish veröffentlicht am 20. September in Deutschland ihr mit Spannung erwartetes neues Werk “Kill Or Be Kind” (inakustik). Es ist das erste Album der 30-Jährigen beim legendären Nashville Label ROUNDER.

Samantha fasziniert das Publikum rund um den Globus mit ihrer zündenden Live-Performance – und begeisterte unlängst auch in Deutschland mit ihrem sensationellen Gitarrenspiel und fulminanten Liveshow. Mit „Kill Or Be Kind“ schickt sich die „Wonder Woman“ aus Kansas City an, den ganz großen internationalen Durchbruch zu schaffen!

Das vibrierende Album wurde in den Royal Studios in Memphis aufgenommen und vom dreifachen Grammy-Gewinner Scott Billington produziert; abgemischt wurde es schließlich vom zweifachen Grammy-Sieger Steve Reynolds. Das Album beeindruckt mit elf Songs, die von der stampfenden neuen Single „Bulletproof“ (gespielt auf einer Electric Cigar Box) bis hin zum süßen Memphis R&B Song „Trying Not To Fall In Love With You“ reichen. Keine Frage: Dieses Album wird Frau Fish als kraftvolle Macht in der Roots Music etablieren.

Die begnadete Gitarristin aus Kansas City flirtet auf „Kill Or Be Kind“ ganz ungeniert und selbstverständlich mit dem traditionellem Blues ihrer Heimat, verschiebt dabei die Grenzen des Genres jedoch hin zu ihrem ganz eigenen, unverkennbaren Sound. So stößt der Memphis Soul Song „She Don´t Live Here Anymore“ durch das eindringliche Vibrato der Gitarre dicht an die Grenze zur County Music. „Love Your Lies“ hingegen überzeugt durch einen Spagat aus Punk, Rockabilly und Soul,während „You Got It Bad (Better Than You Ever Had“) als klassischer Blues Rocker punktet.

Halb Englisch, halb Französisch, 100 % Rock‘n’Roll – Laura Cox ist genau das, was sie verspricht zu sein: eine „Badass Rock ́n ́ Roll Lady“ die mit ihrer Gitarre Sounds produziert, die die Welt in einer bahnbrechenden Art und Weise zum Beben bringen. Damit hat sie sich selbst in die Rangliste der größten weiblichen Gitarristinnen katapultiert.

Mit Ihren kraftvollen Soli, eingängigen Refrains und ihrer zügellosen Stimme hat sie nicht nur das Internet im Sturm erobert (500.000 YouTube Abonnenten, 105 Millionen Views!) –sondern sie spielt auch schon seit einigen Jahren ausverkaufte Tourneen.

Die Gitarristin und Sängerin hat nie geleugnet, dass das Leben als weibliche Gitarristin sich doch erheblich von dem ihrer männlichen Kollegen unterscheidet. Nach wie vor wird sie nicht müde zu erwähnen, dass sie sich nicht in geringster Weise um Sex–Appeal schert, sondern viel mehr um ihre Gitarre!

Nach der Veröffentlichung des vorherigen Albums „Burning Bright“ spielte Laura letztes Jahr auf einigen der größten europäischen Festivals (Hellfest, Pol’and’Rock, Rock Palast), sie interviewte die legendären Scorpions für ARTE und es wurde ihr eine Dokumentation über ihren rasanten Aufstieg in der Rockszene gewidmet, produziert vom WDR für den legendären Rockpalast.