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MARKY RAMONE – spielt 40 RAMONES-Klassiker

Schlagzeuger & Lifetime Grammy Award Winner Marky Ramone geht mit einem umfangreichen Ramones-Programm auf große Europaeroberungstour.
Zusammen mit seiner Band „Marky Ramone’s Blitzkrieg“ bestätigt er dreißig Daten in Europa, darunter neun in Deutschland und Österreich.
Er ist weltbekannt dafür 15 Jahre Teil der legendären Punkrock-Band RAMONES gewesen zu sein.
Seit seiner Highschool-Zeit spielte der gebürtige Marc Bell Schlagzeug mit zahlreichen einflussreichen Musikern, so z.B. mit der in Brooklyn ansässigen Hardrock Band „Dust“ (weitere: Misfits, The Speed Kings, Buckweeds und Osaka Popstar).
In den 70ern gründete er zusammen mit Bob Quine, Ivan Julian and Richard Hell:
„Richard Hell & The Voivods, die 1977 ihr bahnbrechendes Album „Blank Generation“ über Sire Records veröffentlichten.
Doch auch in die Welt des Films und der Literatur verschlägt es MARKY RAMONE.
Neben Gastauftritten bei den Simpsons, ZRock & Anthony Bourdain’s No Reservations war MARKY RAMONE Vorlage für einen Helden der Comicbuchreihe „Killogy“ von Alan Robert.
2015 erschien Bells Autobiografie: „Punk Rock Blitzkrieg: My Life as a Ramone“.
Marky Ramone trägt bis heute das Vermächtnis der RAMONES in die weite Welt: Mit seiner Band „MARKY RAMONE’S BLITZKRIEG“ bietet er eine authentische Show mit 40 RAMONES-Klassikern.

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A BRIEF HISTORY OF THE REAL MCKENZIES

Paul McKenzie claims he had a epiphany when he was subjected to an Andy Stewart record which was playing in one room, and intertwining with the vulgarity of a Sex Pistols album emerging from another. That year was somewhere around 1992, the setting was Vancouver Canada,and McKenzie was looking for something new, since his band TT Racer had recently disbanded. Who would have thought that a great deal of fun could be had pilfering your parents closet of old kilts and high socks to wear on a stage on which you would perform cover songs of various bands, altered slightly, to fit a scottish theme. Example: I Wanna Be Your Scot as opposed to I Wanna Be Your Dog. You get the point. Someone probably joked, If were gonna wear kilts, we might as well have a piper too.

While certainly not a new angle in rock music, the bagpipes were only ever used in a couple of songs at most by various bands, never a mainstay of an entire set. Soon though, it was apparent that this was a distinctive sound that could be finely tuned, with the soaring pipes complimenting the ferocious electric guitars and vise-versa. Of course the first thing that springs to mind is the word gimmick. Sure, I guess thats applicable here. But before you go taking things way to seriously, lets also not forget the concept of show buisness. People annually spend a shitload of money for the sole purpose of being entertained. So why not go out of your way to be entertainment? That was all a moot point with the McKenzies anyway. Because they just wanted to have fun, and you are more than welcome to have fun with them, as hundereds of thousands have. Sure some will read too much meaning into the whole idea, and take it out of its realm of fun, and those people should just shut the fuck up and drink their beer.

14 years later, the Real McKenzies have achieved lengendary status. Their live shows are highly regarded and they have been known to leave large audiences choking on their own dry mouths. They’ve been influence to more than a few bands, and ironically have been accused of ripping those same bands off, usually by journalistic hacks on the internet. They’ve toured the world endlessly, and frightened more than a few people at times, but its a small percentage to the numbers of people who leave their shows with ear to ear grins and think about the great time they had for weeks to come. I can imagine it will take death to stop these guys from doing what they do best, and that’s kicking your ass in the face at each and every show they play.

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Obwohl die Superstars aus Südafrika von einem deutschen Radio DJ anlässlich seines Urlaubs dort entdeckt wurden, haben sie sich hier in Europa immer rar gemacht.

Jetzt, zum 20-jährigen Jubiläum ihres Welthits „Indigo Girl“, kommen sie massiv zurück. Mit einem neuen Album und zwei älteren Alben als Wiederveröffentlichungen. Dazu gibt es eine überarbeitete Version ihres Smashhits, der noch immer weltweit im Radio gespielt wird und allseits präsent ist.

Stilistisch hat sich Watershed weiterentwickelt, wobei sie ihren eigenen, speziellen Sound nicht verleugnen. Emotional vorgetragener, energiegeladener Indie-Folk-Pop-Rock, der erfahren und anspruchsvoll daherkommt.

Erinnerungen an die Anfänge von R.E.M., Coldplay und den Crash Test Dummies werden wach.

Der Schwerpunkt der Instrumentierung liegt hier auf elektrischer wie auch akustischer Gitarre, die in einer besonderen Mixtur mit dem E-Piano zu überzeugen weiß. Dazu kommt die markante Stimme des Sängers und Gründers der Band, Craig Hinds.

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The Moorings are an ultra-energetic quintet famous for delivering an efficient mix between Celtic folk and alternative rock.

Since 2011, The band has been faithful to the traditional themes of the Anglo-Saxon repertoire. It has been chosen many times to share the bill with the most respected bands of the genre such as The Dubliners (at la Cigale – Paris), The Pogues (at l’Olympia – Paris) or The Dropkick Murphys (at Rock im ring – Italy).

Their appeal for Irish music and Punk rock has been revealed in Pints & Glory their 1^stEP back in 2011. A live record titled ‘La Cigale Unplugged’ has also come out in 2013. The second EP ‘Nicky’s Detox’ released in fall 2014 highlights a couple of songs in French.

The new record ‘Unbowed’ completed in spring 2017 asserts its own style. It mainly seduces by the production’s quality and the fine songwriting of its 12 tracks. Original material sung mostly in English mixes bitter protest songs (Captain Watson’s Gang, Mutins), folky ballads (Posy of Lily, The Mariner I Used To Be) as well as powerful punk rock songs reminding the Sex Pistols (Another Drinking Wound, Ice Cold Jar Of Whiskey…).

Still true to their French origins, this colourful opus encompasses 3 songs in their mother language including ‘Amsterdam’ a cover from the famous Jacques Brel.

The Moorings go from festivals to club stages, from pubs to bars all over Europe! The band has played the legendary Montreux festival in 2016.

«Since we 1st played a festival with The Moorings last Summer 12 months I’ve been a huge fan.They’re like a cross between The Pogues, The Dubliners and themselves. In other words they’re unique they’ve got their own individual sound whilst incorporating other influences of an Irish/punk style. I’m‘ gonna let y’all in on a“secret“ it’s been my great wish to produce a cd for them-well we all have dreams don’t we?»

Eamonn Campbell – The Dubliners

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Hasu Langhart – Gitarre / GesangSimon Langhard – KontrabassJürg Luder – Schlagzeug

Uns gibt’s schon ewig. 17 Jahre oder so. Wir sind toll. Und sehen gut aus. Wir lieben was wir tun. Fast immer. Den Konzertbesuchern geht’s genauso. Wir rocken und rollen, kämpfen und leiden, lachen und weinen.

Autofahren wir auch und das nicht zu knapp. Den Erdball bestimmt schon ein Dutzend Mal umrundet. Belgien, Deutschland, Dänemark, England, Frankreich, Italien, Japan, Kanada, Oesterreich, Spanien, Tschechien, Slowenien,Ungarn, Finnland, Schweden, Norwegen, Holland und die USA wurden betourt. Macht rund 400 Shows (so heisst das) in den letzten drei Jahren. Begeisterung allenthalben.

Tausende Platten verkauft und Tausende Bands an die Wand gerockt. Bad Religion, NoMeans No, Rancid, Snuff, No FX, Slackers, Toasters, Demented Are Go… Aber immer noch hungrig. Trotz Rückenschmerzen, weil Fussböden scheisse sind zum Pennen, zuviel Kaffee und Zigaretten. Pleite sind wir auch ständig.

Doch die nächste Platte wird bestimmt grossartig. Punk, Rockabilly, tolle Songs, coole Rhythmen, Pop aber geil. Es geht vorwärts.

support :
Messerstecher Herzensbrecher   
(Psychobilly aus Dortmund )

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Mit dem Verkauf von über 100 Millionen Alben gehört Black Sabbath zu den größten Rockbands aller Zeiten und werden noch heute als Erfinder des Heavy Metal geehrt. Sie stehen wie keine andere Band für schreiende Gitarrenriffs, wummernde Bässe, prügelnde Drumbeats, unheilschwangere Texte und verbreiten damit eine ordentliche Portion Gänsehaut und Schrecken. Black Sabbath sind die Vorbilder vieler Heavy-Metal-Bands und prägten den Heavy Metal mit ihren ersten Alben nachhaltig. Als alles Anfang 1969 begann, hieß die ursprüngliche Formation schlicht Earth, bis sich die vier Musiker in einem Proberaum ihres Jugendclubs trafen, um dort mit „Wicked World“ den ersten richtigen Black Sabbath Song zu erschufen, ein fünfzehnminütiger Blues-Jam. Bereits der zweite Song soll der Band den Namen geben: „Black Sabbath“. Ihr erstes Album wurde mit einem Budget von grade einmal 1.200 Dollar produziert und entstand Gerüchten zu Folge an nur einem einzigen Tag. Erschienen ist es am Freitag den 13. Februar 1970 und erreichte Platz 9 der britischen Charts. Was dann folgt ist heute Musikgeschichte -18 weitere Studioalben, unzählige Konzerte, eine reger Wechsel an Bandmitgliedern und Millionen verkaufte Platten.

Amerikas klassische Black Sabbath Tribute Band EARTH spielt Note für Note sämtliche Klassiker aus der frühen Ära mit Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Bill Ward und Geezer Butler. Die originalgetreue Darbietung in atemberaubenden Versionen der großen Klassiker steht dabei im Mittelpunkt. Zum Repertoire gehören die besten Songs der ersten Alben wie „War Pigs“, „N.I.B.“ „Sabbath Bloody Sabbath“ oder „Children Of The Grave“ bis hin zu düsteren Großtaten wie „Black Sabbath“ oder den Hits „Paranoid“ und „Iron Man“. Earth besteht aus erfahrenen Tourmusikern anderer etablierter amerikanischer Bands, die sich einfach aus Liebe zu den Gründern des Heavy Metal zusammengeschlossen haben. Die optisch und akustisch authentische Performance von Sänger Ray Sylvestre lässt das Herz eines jeden Black Sabbath Fans höher schlagen! Über eine ausgedehnte Europatour erspielte sich die Gruppe im vergangenen Jahr in Italien, Holland, Polen, der Tschechischen Republik, Belgien und natürlich Deutschland eine stetig wachsende Fangemeinde.

Lord Bishop, der schwarze Zwei-Meter-Hüne aus der Bronx, und seine Band bereiten seit Jahren unermüdlich die Bühne als Vorband für die Hauptakteure im Kulturhaus Neuruppin und haben sich damit ihre ganz eigene Fangemeinde erspielt. Ob zusammen mit Ian Paice und Roger Glover von Deep Purple, Uriah Heep, Sweet oder vor einigen Jahren Eric Burdon, Lord Bishop heizte die Menge vorher immer ordentlich an. In den Adern von Lord Bishop fließt purer Rock’n’Roll. Seine Musik steht für fette Gitarrenriffs à la Jimi Hendrix gemixt mit der Kraft von Motörhead und dem schweren Blues von Led Zepplin. Dazu kommt ein ordentlicher Schuss James-Brown-Funk. Auf der gemeinsamen Tour mit der Black Sabbath Tribute Band Earth bringt Lord Bishop seine von Jack Endino, unter anderem Produzent der legendären Alben von Nirvana und Soundgarden, gemixte und gemasterte CD „Heavy 10“ mit. Auf dieser finden sich zehn klassische Rocksongs, die die expansive 20-jährige Karriere von Lord Bishop beeinflusst haben. Darunter auch eine unglaublich starke Version des Black Sabbath Megahits „Paranoid“.

Ultimate Eagles ist mehr als eine Hommage. Die Band präsentiert die Songs der Eagles aus jedem Album und jeder Epoche in bisher nicht gekannter Perfektion.

Ultimate Eagles verzichten bewusst auf Verkleidungen und andere elektronische Hilfsmittel. Jede noch so kleine Interpretation Nuance wird genau auf den Punkt gebracht. Vergleichbar mehr mit dem Royal Philharmonic Orchester das Beethoven spielt.

Es reicht ihnen nicht nur die Musik ihrer Idole vorzutragen.

Die Band hat bisher vor mehr als 450.000 Menschen in über 12 Ländern gespielt.

Ihre You Tube links wurden mehr als 4,5 Millionen Mal in den letzten drei Jahren angeklickt. Ultimate Eagles begeisterten bei der BBC Show mit Chris Evans „Car Fest South and North“ über 20.000 Zuhörer.

Die Bandmitglieder sind alle erfahrene Profis die ihre Bühnenauftritte mit Größen wie: Joe Cocker, Paul Young, Roger Daltrey, Lulu, Bonnie Tyler, Tom Jones und auch Queen krönten. Einige Musiker der Band arbeiteten zusammen mit Barbara Streisand, Janet Jackson, Status Quo und Iron Maiden.

Ultimate Eagles hat auch einen BAFTA gekrönten Musikdirektor an Bord der die Weichen für die neue erfolgreiche X Factor Sendung Tenors of Rock gestellt hat.

Genießen Sie die hervorragenden Satzgesänge und Musikkompositionen geschrieben von Legenden. Lassen Sie sich in eine Zeit entführen in der Musik noch gesungen wurde.

Kommen Sie vorbei und erleben Sie einen Abend mit der umfassendsten und genauesten Hommage an die Eagles. Eine Show bei der Ihre Ohren Augen machen werden. Ultimate Eagles ein muß für Liebhaber der Musik und der Eagles.

BBC Radio Chris Evans: „The best Eagles Show in the world“.

“I thought I was listening the real thing”.

Performing all the Hits including:

HOTEL CALIFORNIA, LYIN’ EYES, ONE OF THESE NIGHTS, TAKE IT TO THE LIMIT, DESPERADO, TAKE IT EASY, AND MANY MORE

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Nobody quite knew what to think of these long haired, tattooed bikers singing such soulful, yet ballsy, rock music when they arrived on the scene in Los Angeles in 1987. They stood out amongst the „Hair Bands“ that populated the music scene at the time….a distinction the band wore as a badge of honor.
Much hype surrounded the band as they were managed by music legend Jimmy Iovine, guided by legendary A&R man John Kalodner and produced by Bob Rock. It seemed like a formula for success, yet the band met an unfortunate set of circumstances that left many scratching their heads shortly after the release of their self-titled debut album. Many were to speculate why the band never achieved the level of success that their legendary team of backers took as inevitable. Many were to speculate that it was due to the dichotomy between the band’s gruff appearance and their sound. The truth was that the band fell prey to an unfortunate set of circumstances that occurred in the limited window that bands get to produce sales in, or get exiled in the music business. Three weeks into the bands initial release, Geffen Records was sold, their label Manager left the company, accountants took over, and their records where lost in transit to their new distributors. As sales dropped off due to the lack of product availability, the accountants shut the project down. And so, another band dies….there’s always more where they came from in the rough and tumble world that is the music business.
Little Caesar first appeared on Metal Blade’s “Street Survivors” compilation. The band then released a four song EP titled “Name Your Poison” (produced by Joe Hardy of ZZ Top fame), which subsequently led to a deal with Geffen Records. Little Caesar’s eponymous 1990 Geffen debut was produced by the infamous Bob Rock (producer of Metallica’s self-titled 1991 multi-platinum release, Motley Crue’s “Dr. Feelgood”, and The Cult’s “Sonic Temple” among others). The album was a no-nonsense collection of hard rock in the vein of ’70s giants like Bad Company and Humble Pie, and was also brimming with classic R&B influences, garnering widespread acceptance and positive reviews from the rock media. It also featured two Motown covers, including a ballsy rendition of the classic Aretha Franklin track, “Chain of Fools,” which hit the Billboard Top 100 chart and received strong airplay nationwide on both rock radio and MTV. The group toured extensively opening for such legendary acts as Jane’s Addiction, KISS, Social Distortion, Iggy Pop, Billy Idol, and Lynyrd Skynyrd. They also headlined their own club tours, and appeared on TV’s popular “Arsenio Hall Show”, “The Rick Dee’s Show”, and MTV’s “Sex in the 90’s”. Vocalist Ron Young was also featured in the movie “Terminator 2” as a tough talking biker that gets into a fight with the film’s star, Arnold Schwarzenegger. 1992 would bring the second full-length album, “Influence”, which would have Earl Slick (of John Lennon, David Bowie, and Ian Hunter fame) replacing Apache on guitar. The “Influence” album was produced by the highly respected Howard Benson (who has recently produced releases for platinum artists like Daughtry, Papa Roach, and P.O.D. among others). The band completed its first tour of Europe after the release of the album and drew rave reviews and sold out crowds across multiple countries including a sold out headlining performance at the famous Marquee club in London.

As the band slowly recovered from the shock and lessons learned in the nasty world of the music business, they always remained close, as they are a family way before they are a band. They started to do local shows and remember why they loved music and each other. Since the reformation, the band has played high profile shows at venues as House of Blues, California Speedway for NASCAR, and the Rock The Bayou Festival in Houston TX.
In 2010, Little Caesar moved forward with a vengeance on a worldwide level with new release titled „Redemption“ as well as touring in the US, Europe and the UK.
In 2012, Little Caesar released their latest effort entitled „American Dream“. Produced by Bruce Witkin, a powerful, no nonsense, guitar driven group of songs that takes the band to that same warm R&B driven Rock and Roll Universe they call home. They performed at the Hard Rock Hell festival in Wales in Dec 2012. They returned once again to Europe in 2013 appearing at The Download Festival appearing alongside such acts as Iron Maiden, Motorhead, Rival Sons, and Queens of the Stone Age. They are preparing a double live CD…something they have not done in their 30 years of playing together…

Fast forward to 2018 which will see the band release a brand new album of original music and their sixth European tour which will bring the band to Germany, Belgium, France, Sweden, Norway, Czech Republic and Slovakia.

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In einer famosen Live-Inszenierung bietet die Band eine wunderbare musikalische Reise durch die Hits der erfolgreichsten Phase von Pink Floyd: von „Meddle“ (1971) über „Dark Side of The Moon“ (1973), „Wish You Were Here“, „Animals“ bis zu „The Wall“ (1979), sowie einige andere bekannte Stücke. Mit musikalischer Extraklasse, hervorragendem Stage-Design und großartigem Sound begeistern Kings of Floyd das Publikum und rufen die nahezu perfekte Illusion eines Pink Floyd Konzertes hervor.

Vocals, Guitar / Mark Gillespie (UK)
Guitars / Maurus Fischer(DE)
Keyboards, Vocals / Jürgen Magdziak (DE), Andy Schmidgen (DE)
Bass / Hans Maahn (DE), Ian Stewart (Canada)
Drums / Berni Bovens (NL)
Sax / Bernd Winterschladen (DE)
Vocals / Lucy Wende (NL)

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Die populäre und mit Preisen ausgezeichnete Band bringt ein neues Album an den Start: „Come On In“. Intensiv wie gewohnt, lässt es auch Raum für Melancholie. In über 1.000 Konzerten in 21 Ländern hat diese dynamisch swingende und hochgelobte Formation das Publikum zum Lächeln und zum Tanzen gebracht. Denn das kann der Blues: die Probleme des Lebens mit seinen Grooves vertreiben. Der Frontmann weiß dies besser als viele andere, und auf dem zehnten Album – mit seinem einladenden Titel „Come On In“ – geht er Themen wie sein eigenes Alter oder die politische Realität an.

In diesem Sinne symbolisiert der Titel alles, wofür Thorbjørn Risager & The Black Tornado stehen. Dazu Thorbjørn: „Einige Leute meinen, der Blues sei traurig, weil er nach der Farbe der Melancholie benannt und aus der Musik der Sklaven in den USA entstanden ist. Aber man muss bedenken, dass dies eine Musik war, zu der sich die Leute versammelten, wenn sie die Mühen ihres Alltags vergessen wollten. Der Blues wurde bei festlichen Anlässen gespielt und war Tanzmusik. Und diese Tradition würde ich gerne weiterführen: eure Probleme durch unsere Musik erträglicher zu machen, damit ihr mit einem Lächeln auf euren Lippen nach Hause gehen könnt.“

Auch 2019 arbeiten die Musiker noch immer auf die gleiche Art und Weise, wie sie begonnen haben. Thorbjørn Risager sitzt zu Hause mit seiner akustischen Gitarre und entwickelt die Grundstruktur eines Songs, bevor sie ins Studio gehen, wo die anderen Vorschläge für Grooves, Basslinien, Bläsersätze, Backgroundgesang oder Fills machen. All das ergibt einen Sound, der einem das Gefühl gibt, alles drehte sich um Risagers Stimme.

Ihr undogmatischer und innovativer Umgang mit dem Blues kombiniert diesen mit Elementen aus anderen Genres wie Funk, Gospel, Soul oder Rock’n’Roll. Dabei hängt alles vom Feeling und der Ausrichtung des jeweiligen Songs ab. Eine weitere Nuance steuern auf dem neuen Album die melancholischen Songs mit akustischer Gitarre bei. Das hat sich instinktiv so ergeben, da sein Blues hier reflektiert, wo Risager aktuell in seinem Leben steht.

„Der Blues gibt mir die Möglichkeit, Dampf abzulassen. Und dieses Mal habe ich einige Songs geschrieben, in denen es um meine Zweifel geht, ob ich in meinem Leben alles richtig gemacht habe. Allerdings geht es bei meinem Songwriting auch immer um das Licht am Ende des Tunnels. Was wiederum bedeutet: die Zähne zusammenbeißen und sagen: ‚Ich mache einfach weiter’.“

„Never Givin’ In“ ist genau so ein Song, während es in „Last Train“ um die Problematik geht, sich zu sehr mit sich selbst zu beschäftigen. „Nobody But The Moon“ zeigt Thorbjørn Risagers selten artikulierte politische Seite, wenn dort die Frage gestellt wird: Wer hat die Kinder gesehen, die im Mittelmeer ertrunken sind, und wer hat ihre Schreie gehört? Worauf als Antwort folgt: Niemand außer dem Mond.

Bei aller Ernsthaftigkeit betont der Titelsong „Come On In“ das erbauliche Gefühl der Gemeinsamkeit, das Thorbjørn Risager & The Black Tornado schaffen wollen. Hier geht es um eine Bar, wo jeder willkommen ist, und Risager hat den Song mit der Kopenhagener Mojo Blues Bar im Hinterkopf geschrieben. Denn: „Dort sind wir groß geworden und viele von uns haben ihre Freundinnen da kennengelernt.“

Einige Bands schaffen den Durchbruch und das war es dann auch schon. Andere geben auf, wenn sich der Erfolg nicht schnell genug einstellt. Und dann gibt es noch diejenigen, die sich mit Leib und Seele dem Musikmachen verschrieben haben und die beständig an Popularität gewinnen, indem sie ihre hohen Standards über die Zeit beibehalten. Zu dieser letzten Kategorie zählen auch Thorbjørn Risager & The Black Tornado. Sowohl in Dänemark als auch im Ausland wird man sich immer mehr der Explosivität ihrer Konzerte bewusst, in denen Gitarre, Bass, Schlagzeug, Orgel und Bläser Risagers kraftvolle Stimme umkreisen, die Kritiker bereits zu Vergleichen mit Ray Charles und Joe Cocker angeregt hat.

Den Blues hat Thorbjørn Risager im Blut, seit er als Zehnjähriger etwas für ihn absolut Magisches gehört hat. Bei ihm zu Hause in Jyllinge legten seine Eltern, die beide Musik unterrichteten, nur Klassikplatten auf, aber im Nachbarhaus eröffnete sich ihm eine neue Welt. Thorbjørn war noch zu jung, um die Wurzeln dieser Musik zu verstehen, all das Elend und den großen Schmerz, aber eben auch die Euphorie, wenn man sich diesen aus dem Hals sang. Er wusste lediglich, dass er sie zu sich nach Hause mitnehmen musste. Also besorgte er sich Kassetten mit dieser exotischen Musik und schlief über Jahre hinweg zu den Sounds von Fats Domino und Muddy Waters ein.

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46 Jahre nach ihrem ersten Album, 44 Jahre nach der Veröffentlichung des “Über-Hits” Gammaray (LP Hoodoo Man) und 13 Jahre nach dem letzten Studioalbum veröffentlichten BIRTH CONTROL, einer der in den 1970iger-1980iger Jahren, national wie international, wohl erfolgreichsten deutschen Prog-Rockbands, im März 2016 ein neues Studioalbum.
Mit „Here and Now“ liefern Birth Control 11 neue Kompositionen, die noch mit dem 2014 verstorbenen Bandleader Bernd “Nossi” Noske aufgenommen wurden.
Seit April 2018 ist das Album “Here and Now” auch als Doppel-Vinyl erhältlich,
mit Bonus-Live-Tracks vom letzten Konzert mit Bernd Noske.
Seit Anfang 2016 ist BIRTH CONTROL mit neuem Line Up wieder erfolgreich auf Tour. Zur Besetzung der letzten Jahre mit Sascha Kühn (keyboards), Hannes Vesper (bass) und Martin Ettrich (guitar) konnten mit Peter Föller (lead-vocals) und Manni von Bohr (drums) gleich zwei alte BC-Mitglieder der 1970er/1980er Jahre Birth Control Besetzung für das neue Line Up gewonnen werden.
Meist ausverkaufte Clubs und Festivalauftritte in den letzten 2 Jahren zeigen, daß BIRTH CONTROL auch in der aktuellen Besetzung „nichts an Strahlkraft verloren
hat“. ( Zitat: ROCKS Magazin Febr..2018)
Im Nov.2018 ist die neue Live-DvD /CD erschienen, (rec. Live in der Harmonie in Bonn im April 2018) Ein neues Studioalbum ist in Arbeit.

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Gerry McAvoy´s BAND OF FRIENDS

Anlässlich des 25. Todestages von Rory Gallagher macht auch die Besetzung der Band Of Friends einen Wandel durch. Gerry McAvoy am Bass und Brendan O´Neill an den Drums werden verstärkt durch zwei Gitarristen. Paul Rose und Stephan Graf werden mit den beiden Originalmitgliedern das Gesamtwerk in bekannter leidenschaftlicher Weise zelebrieren.
Gerry McAvoy spielte von 1971-1991 mit Rory Gallagher und gründete 2012 die Band Of Friends. Am Schlagzeug wird er von Brendan O´Neill begleitet. Auch er spielte zusammen mit Rory Gallagher (1981-1991) und trat später der britischen R&B-Band Nine Below Zero bei.
Aber auch die beiden neuen Bandmitglieder sind leidenschaftliche Rory Gallagher-Anhänger. Paul Rose wurde bei einem von Fender ausgeschriebenen Wettbewerb unter 1.000 Gitarristen von Rory Gallagher persönlich zum Sieger ausgewählt und ist zwei Mal in Folge zum „Best UK guitarist“ ernannt worden!
Der Sänger und Gitarrist Stephan Graf hörte Rory Gallagher zum ersten Mal als er neun Jahre alt war und tourte seitdem mit seiner von Rory Gallagher inspirierten Band Double Vision durch ganz Europa. Dabei ist er so nah am Original, dass man sich die Augen und Ohren reiben muss!
Zwischenzeitlich bringt die Band Of Friends auch selbst eigene Alben auf dem Markt, die eine konsequente Weiterentwicklung der Musik von Rory Gallagher sind.
Für 2020 ist ein weiteres Album geplant, auf das man sehr  gespannt sein kann!

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“His voice stands above all others in the field. Quite simply, Marc Broussard is the reason they invented soul music.”- PerformerMag.com
“A blue eyed soul singer with a broad, soulful voice nicely scraped around the edges. – The Washington Times

Marc Broussard ist ein US-amerikanischer Singer-Songwriter, dessen musikalischer Stil auch als “Bayou Soul“ beschrieben wird, da er Elemente aus Rock, Country, Blues, R&B und Soul miteinander vereint. Einen wesentlichen Einfluss haben jedoch seine “Southern Roots“, denn Broussard wuchs als
Sohn eines Gitarristen in Carencro, Louisana auf. Mit 5 Jahren hatte er seinen ersten Auftritt, als er eines Tages einfach mal „Johnny B. Good“ in der Band seines Vaters raushaute!

Seit er 18 ist, lebt der mittlerweile 38-Jährige von der Musik und spielt bis zu 150 Konzerte pro Jahr. Er tourte mit Musiklegenden wie Dave Matthews Band, Zac Brown, Huey Lewis oder Bonnie Raitt und ist der Protagonist auf dem aktuellen Allman Brothers Tribute Album. Für den Sommer 2021 sind
einige Auftritte zusammen mit seinem Kumpel Joe Bonamassa geplant.

Seine Liebe zum Soul dokumentierte er auf beeindruckende Weise auf dem Charity Album „S.O.S. 2: Save Our Soul, Soul on a Mission“, wobei sich der Akustikclip von „Cry to me“ mit mehr 20.0 Millionen Youtube Views bereits zu einem veritablen Hit entwickelt hat. Natürlich darf dieser Song, ebenso wie sein grösster US Hit „Home“, auf den Live Shows nicht fehlen.

Für Marc Broussard steht dieser in Walnussbaumrinde geräucherte Song, der ihn über die Jahre begleitete, für alles, was ihm wichtig erscheint – Southern Roots der alten Schule, Heimat, Freunde, Familie, Erdverbundenheit und Authentizität. Bei seinen Shows spürt man die Hitze des Südens und Marc Broussard lässt uns teilhaben an seiner, ihm in die Wiege gelegten Leidenschaft, mit der er sein abwechslungsreiches Repertoire interpretiert und die Genre verschmelzen lässt.

Die neuen Termine :
Marc Broussard | The Southern Roots Tour
06.10.21 | Hamburg, Downtown
07.10.21 | Köln, Kulturkirche
08.10.21 | Aschaffenburg, Colos Saal
09.10.21 | München, Strom
10.10.21 | Dortmund, Piano
12.10.21 | Münster, Hot Jazz Club
13.10.21 | Isernhagen, Blues Garage

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Khemmis is an American doomed heavy metal band from Denver, Colorado.

Their debut record, ‚Absolution,‘ earned the four-piece outright critical praise from the underground, including a slot on Decibel Magazine‘s “Top 40 Albums of the Year” list, which allowed them to start seeping into the mainstream consciousness. 2016’s ‚Hunted‘ helped break down those final barriers in the USA, earning Khemmis more widespread recognition, ranging from glowing reviews at Metal Sucks, Metal Injection and Pitchfork, to earning them a spot in Rolling Stone‘s “20 Best Metal Albums of 2016” list and Decibel‘s highly sought after Album of the Year accolade.

With their latest full-length record ‚Desolation,‘ Khemmis have finally reached a more international audience, winning over hearts and minds across the globe. Though undeniably influenced by doom and classic metal, to tag the quartet with those labels doesn’t do justice to what they’ve accomplished. Theirs is a perfect representation of modern heavy metal that integrates the past in a way only possible with the faculty of hindsight. The album earned widespread critical praise from the global metal press and marked the band’s first appearance on the Billboard charts.

Moreover, the band remains hard at work writing the follow up to ‘Desolation,’ which will be their first worldwide release with Nuclear Blast.

Discography:

2013: Khemmis (EP, self-released)
2015: Absolution (Album, 20 Buck Spin)
2016: Hunted (Album, 20 Buck Spin)
2017: Empty Throne (Single, Decibel)
2017: Fraught with Peril (Split EP with Spirit Adrift, War Crime Recordings)
2018: Desolation (Album, 20 Buck Spin (USA)/Nuclear Blast (international))
2020: Doomed Heavy Metal (EP, 20 Buck Spin (USA)/Nuclear Blast (international))

IRON WALRUS:

IRON WALRUS have made a name for themselves in the doom / sludge / metal scene. After 2 major European tours with CROWBAR (2014 & 2015), the German shows with ROOTS (Cavalera Brothers), OBITUARY, SODOM, TROUBLE, ST.VITUS, MANTAR & PENTAGRAM as well as appearances at Desert Fest London, Hammer of Doom,  the Rockavaria Festival and the Stoned From The Underground Festival – they caused a lot of open mouths and sweaty hair. At the end of 2020, Iron Walrus will release their successor album.

Discography:

2014 Insidious Black Sea (Album, Redfield/Alive)
2015 The Plague (Album, Redfield/Alive)
2017 A Beast Within (Album, Redfield/Alive)

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The Ruts were a reggae-influenced British punk rock band, formed in 1977 at the height of the Punk revolution. They finally released their first single ‘In A Rut’ in early 1979 on the People Unite label . This 7” vinyl was much played and highly regarded by the UK BBC Radio 1 D.J, John Peel. From then on and over the years, the record rightly became what can be considered to be a Punk anthem.

There were more to follow, with the singles ‘Babylons Burning’,’ Something that I Said’, ‘Jah War’ (all from the debut album ‘The Crack’) and ‘Staring at the Rude Boys’, ‘West One’ (both featured on the album ‘Grin and Bear It’).The band were quickly established as a major force in U.K music, but by 1980, The Ruts were over. The 3 remaining Ruts felt that they had to continue with their mission.
To differentiate between incarnations, they added the initials D.C (Da.Capo) – a musical term for back to the beginning. After 2 albums – ‘Animal Now’ and later ‘Rhythm Collision Volume 1’ with legendary dub producer “Mad Professor” they parted ways to follow their own musical paths.

And so it remained until 2007 when sad news of Paul Fox’s illness brought them back together. It was decided to do “One last gig”. With Henry Rollins taking over the lead vocals, the set of timeless classics served as both a celebration of Foxy’s unique talent but also as a belated tribute to original vocalist Malcolm Owen. See the gig here.

The second circle was complete.

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EZIO kündigt ein Best-Of Album und für Herbst 2021 endlich wieder eine Tournee durch Großbritannien und Deutschland an – natürlich unter der Voraussetzung, dass der pandemiebedingte Stillstand ein Ende hat.

Das erste Konzert nach dem Lockdown sollte ein gutes sein. Mit einem Ticket für die britische Folk-Band EZIO, gefeiert für ihre live Qualitäten, ist die Chance für einen grandiosen Abend groß. Die Band EZIO um Sänger und Songwriter Ezio Lunedei sowie Gitarrist und best Buddy Mark „Booga” Fowell erspielte sich seit ihrer Gründung 1990 eine große und treue internationale Fangemeinde. Ihre Performances haben den Ruf aufregend, dynamisch und mit viel Energie, Humor und emotional aufgeladen zu sein. Mundpropaganda vergrößerte die Aufmerksamkeit für die rund um den Globus tourende Band enorm.

Acht Studioalben hat EZIO in dieser Zeit veröffentlicht. Von dem von der Kritik gefeierten Album „Black Boots on Latin Feet“ von 1995 (Arista/Ariola, produziert von dem verstorbenen Rupert Hine), über „Diesel Vanilla“ (MCA Universal, produziert von Peter Van Hooke und Rod Argent) bis hin zur neuesten Veröffentlichung „Daylight Moon“.

Hundred Seventy Split ist ein neues High-Energy Blues/Rock Trio bestehend aus Joe Gooch (git/voc), Leo Lyons (bass) und Damon Sawyer (drums).

Die Band wurde 2010 von Basser und „Woodstock Legende“ Leo Lyons ins Leben gerufen, der zusammen mit Alvin Lee bereits als Mitbegründer von Ten Years After Pate stand. Nach dem Ausstieg von Alvin Lee spielte Joe Gooch elf Jahre lang bei TYA. Leo und Joe bildeten bereits bei TYA ein Songwriting-Duo und führten ihre Zusammenarbeit fort, als sie beide im Jahr 2013 TYA verließen. Der Dritte im Bunde ist Schlagzeuger Damon Sawyer, ein gefragter Studiomusiker und Produzent, der mit zu vielen namhaften Künstlern gespielt hat, um hier alle aufzählen zu können.

Das Debut von Hundred Seventy Split „The World Won’t Stop“ erschien im Jahre 2010. Ein zweites, selbstbetiteltes Album wurde im Februar 2014 veröffentlicht. Das Doppel-Live-Album „The Road“ erscheint im Februar 2015 und stieg auf Platz 1 der Amazon Deutschland „New Blues Charts“. Die CD ist ein Mix aus HSS Songs sowie den großen TYA Hits.

Live präsentiert die Band in ihrem Set die neuen Songs, gepaart mit den HSS-Standards sowie TYA-Klassiker. Hundred Seventy Split wurde gegründet, um außerhalb der Grenzen von Ten Years After kompromisslos zu rocken.

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Mit einem vielversprechenden neuen Studio-Album geht die Henrik Freischlader Band im Herbst 2020 auf Tour und freut sich darauf, überall dort zu spielen, wo handgemachte Musik noch gefragt ist. Abseits jeglicher Inszenierungen und Showelemente darf sich das Publikum auf eine Band freuen, die jeden Abend musikalisch neu und anders gestalten kann, und die Tradition des Blues durch die Flexibilität jedes Einzelnen sensibel in die heutige Zeit überführt.

Henrik Freischlader hat sich in den vergangenen 15 Jahren seinen Platz in der Bluesszene erspielt. Mit 9 Studio- und 6 Livealben, gemeinsamen Auftritten mit BB King, Gary Moore, Peter Green und Johnny Winter, sowie unzähligen Konzerten in kleinen und großen Clubs, hat sich der Autodidakt seinem Publikum vorgestellt und freut sich heute über eine treue Fangemeinde.

Moritz Meinschäfer (Schlagzeug), Armin Alic (Bass), Roman Babik (Hammond Orgel) und Marco Zügner (Saxophon) komplettieren seit zwei Jahren eine Band, die sich auch abseits der Bühne als eine Gemeinschaft versteht. Die Freude am Zusammenspiel, der Spaß an Dynamik und Improvisation und ganz besonders die Liebe zum kleinsten Detail zeichnen die fünf Musiker aus. Die rockige Ausrichtung früherer Tage trifft auf moderne und mitreißende Grooves und leidenschaftliche Soloeinlagen der einzelnen Musiker.

„Wenn eine Band es schafft, 20 Minuten lang bei Zimmerlautstärke über ein Drei-Ton-Riff so intensiv zu improvisieren, dass nicht eine Sekunde Langeweile aufkommt und das Publikum so mucksmäuschenstill zuhört, dass man eine Gitarrensaite hätte fallen hören können – dann ist das große Kunst.“ Uwe Plien, RP Online

Besetzung:
Henrik Freischlader – Gitarre & Gesang
Roman Babik – Orgel & Keyboards
Moritz Meinschäfer – Schlagzeug
Marco Zügner – Saxophon
Armin Alic – Bass

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Randy Hansen – Guitar, Vocal
UFO Walter – Bass, Backing Vocal
Manni von Bohr – Drums                  

Seit Jimi Hendrix´ Tod im Jahre 1970 gab es immer wieder Musiker, die versuchten, seine Musik so identisch wie möglich zu interpretieren. Doch so richtig gelang es keinem, bis Randy Hansen in den 80ern auftauchte.

Überraschenderweise ist er tatsächlich in der Lage, Jimi´s original Gitarrensounds verblüffend exakt nachzuempfinden. Aber damit nicht genug; wenn er singt,
meint man, Jimi´s Stimme zu hören. Randy Hansen hat Jimi Hendrix sozusagen bis ins Detail „studiert“. Nicht umsonst wird er von Musikkritikern -und Magazinen in der ganzen Welt als Reinkarnation von Jimi Hendrix betitelt. Wie ein Derwisch fegt das Energiebündel über die Bühne und zieht das Publikum, mit seinem „waffenartigen Sound“ in seinen Bann.

Bereits als Zwölfjähriger hörte er das erste Hendrix Album „Are You Experienced“.
Sein Ehrgeiz, sich Jimi´s außergewöhnliche Feedback-Sounds `draufzuschaffen` sollte sein weiteres Leben bestimmen. Mittlerweile in den USA hinreichend bekannt, tourte er mit vielen bekannten Musikern und Bands, unter anderem Jethro Tull, Ritchie Blackmore, Buddy Miles, John Mellencamp, Bob Seger, den Beach Boys, Mitch Mitchell und vielen
anderen.

Auch am Soundtrack von Francis Ford Coppola´s Antikriegsfilm “Apocalypse Now“ hat Hansen mitgeschrieben. Sein Debüt in Deutschland feierte Randy, als auch Uli Jon Roth von den Scorpions von Randy so begeistert war, dass er ihn für sein Konzert zu Ehren Jimi Hendrix engagierte, welches in Kölner E-Werk stattfand und vom WDR aufgezeichnet wurde. („Tribute to Jimi Hendrix“). Es läuft immer wieder auf deutschen TV-Sendern.

Inzwischen hat Randy, der es wie kein anderer vermag „his whole body and soul“ in seinen Gitarren Sound einfließen zu lassen in ganz Europa diverse Fernsehshows sowie unzählige Live-Gigs absolviert, und sich so eine feste Fangemeinde aufgebaut.

Sowohl in den USA als auch in Europa ist er zu einer Kultfigur geworden. Seine Konzerte werden nicht nur von Hendrix Fans sehnsüchtig erwartet und frenetisch gefeiert und sind vor allem in Europa und speziell in Deutschland immer regelmäßig gut besucht bis ausverkauft.

Auch Randy Hansen´s Band ist hinreichend bekannt in der deutschen Rockszene. Mit von der Partie sind nämlich Manni von Bohr, früher an den Drums bei der Krautrock-Institution Birth Control und Redakteur beim bekannten Magazin Drums & Percussion und UFO Walter am Bass, der langjährige Bassist von Marla Glen.

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Jethro Tull´s MARTIN BARRE & Band
Aqualung 50th Anniversary Tour

Während dieser Tour werden Jethro Tull-Gitarrist Martin Barre und seine Band das legendäre Jethro Tull-Album Aqualung in seiner Gesamtheit aufführen. Die Show wird auch andere Tull-Klassiker sowie andere Überraschungen beinhalten.

Martin Barre war von 1968 bis 2012 Gitarrist bei Jethro Tull. Barre´s Sound und Spiel waren zweifellos ein wesentlicher Faktor für ihren Erfolg. Martin´s Gitarrenspiel auf dem Titeltrack „Aqualung“ des Aqualung-Albums wurde zu einem der 20 besten Gitarrensoli aller Zeiten gewählt (MusicRadar, Guitar World und viele andere). 1988 erhielt er für sein Spiel auf dem Album Crest of a Knave einen Grammy Award.

Neben zahlreichen Jethro Tull-Alben arbeitete Martin mit vielen anderen Künstlern zusammen, darunter Paul McCartney, Phil Collins, Gary Moore, und teilte Bühnen mit Legenden wie Jimi Hendrix, Led Zeppelin und Pink Floyd.

Im Jahr 2021 feiert Jethro Tull das 50. Jubiläum ihres wegweisenden Albums Aqualung. Aqualung brachte Jethro Tull an die Spitze der Mainstream-Rock-Arena wie kein Album zuvor oder seitdem. Zum Gedenken an diesen großen Meilenstein werden Martin und seine Band das gesamte Album sowie andere Klassiker aus dem Tull-Katalog aufführen. Die Band von Martin Barre verpflichtet sich, den Tull-Fans und einem breiteren Publikum die Möglichkeit zu geben, Tracks zu hören, die seit vielen Jahren nicht mehr aufgeführt werden.

An introduction…

1969 kam eine Gruppe von vier englischen Musikern nach New York und eroberte Amerika buchstäblich im Sturm. In den nächsten 50 Jahren hat diese legendäre Band über 65 Millionen Plattenverkäufe und eine Anhängerschaft treuer Fans gesammelt, um die sie Rockbands weltweit beneiden! Diese Band war Jethro Tull.

Aqualung, wahrscheinlich das berühmteste aller Alben von Jethro Tull, feiert nun 50 Jahre seit seiner Veröffentlichung im Jahr 1971. Im Zentrum von Tulls einzigartigem Sound steht der Gitarrist Martin Barre, der für seine beeindruckende Beherrschung historischer Riffs und Power Akkorde und hochfliegende melodische Soli bekannt ist.

Martin feiert den 50. Jahrestag der Veröffentlichung des legendären Albums Aqualung mit einer weltweiten Tournee im Jahr 2021. Zu den Territorien gehören Südamerika, USA, Kanada und Europa. Mit seiner Tourband The Martin Barre Band wird er eine spektakuläre Show bringen, die das gesamte Album spielt – mit Dan Crisp am Lead-Gesang, Alan Thomson am Bass und Darby Todd am Schlagzeug.

Martin Says:

“Aqualung war das Album, das Tull definierte. Prächtige Melodien, große Dynamik und Power-Riffs in Hülle und Fülle. Akustik traf Elektrik … und alles funktionierte”.

Die Jubiläumstour wird eine einmalige Gelegenheit sein, sich zurückzulehnen und dieses legendäre Album noch einmal zu erleben, das zum ersten Mal vollständig und nacheinander gespielt wird.

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Martin Barre

Martin Barre war über 43 Jahre lang Jethro Tulls Gitarrist. Sein Sound und sein Spiel waren ein wesentlicher Faktor für ihren Erfolg. Die Albumverkäufe haben 60 Millionen Einheiten überschritten und werden weiterhin weltweit gespielt, was einen wichtigen Teil der klassischen Rockgeschichte darstellt.

Martins Gitarrenspiel hat ihm ein hohes Maß an Respekt und Anerkennung eingebracht. Seine Soli wurden für sein Spiel auf Aqualung zum 25. besten Solo aller Zeiten in den USA und zum 20. besten Solo aller Zeiten in Großbritannien gewählt. Sein Spiel auf dem Album Crest of a Knave brachte ihm 1989 einen Grammy ein.

Neben zahlreichen Jethro Tull-Alben hat Martin mit vielen anderen Künstlern wie Paul McCartney, Phil Collins, Gary Moore, Joe Bonamassa und Chris Thompson zusammengearbeitet und die Bühne mit Legenden wie Jimi Hendrix, Fleetwood Mac, Pink Floyd und Led geteilt Zeppelin.

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Glasgow Blues Rockers KING KING are pleased to announce their first concert dates for 2020 with a German Tour as part of a full European run to co-incide with the release of a new album in the spring of 2020.

KING KING who feature Alan Nimmo on Lead Vocals & Guitar, Jonny Dyke on Keyboards, Zander Greenshields on Bass and Andrew Scott on Drums were formed in Scotland in 2008 and have released four critically acclaimed studio albums plus a double live album & DVD.

Alan Nimmo “We are really looking forward to our return to Germany as part of our spring 2020 tour. A new year, new songs.. and possibly a new kilt!!!”

The Tour dates are as follows:

Sun 19^th April – Downtown, Hamburg DE
Mon 20^th April – Harmonie, Bonn DE
Tue 21^st April – OFF
Wed 22^nd April – Rosenhof, Osnabruck DE
Thu 23^rd April – Piano, Dortmund DE
Fri 24^th April – Ducsaal, Freudenburg DE
Sat 25^th April – Die Halle, Reichenbach DE
Sun 26^th April – OFF
Mon 27^th April – Ampere, Munich DE
Tue 28^th April – Spectrum, Augsburg DE
Wed 29^th April – Hirsch, Nurnberg DE
Thu 30^th April – Colos Saal, Aschaffenburg DE
Fri 1^st May – OFF
Sat 2^nd May – Jazzhaus, Freiburg DE
Sun 3^rd May – Museumskeller, Efurt DE
Mon 4^th May – Frannz, Berlin DE

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Demon’s Eye – „In Rock“-Tour 2020 

„Deep Purple in Rock“- sämtliche Songs des Klassikers endlich wieder live!
Demon’s Eye zelebrieren als Nr. 1 der Deep-Purple-Tribute-Bands das 50. Jubiläum des Jahrhundertalbums „Deep Purple In Rock“!

2020 jährt sie sich zum 50. Mal – die Veröffentlichung von „Deep Purple In Rock“! Das runde Jubiläum des 1970 erschienenen Meisterwerks nehmen Demon’s Eye zum Anlass für eine ganz spezielle Tournee. Im ersten Konzertteil führt „Europas Deep-Purple-Tribute-Band Nr. 1“ das komplette Album inklusive der Outtakes auf. Anschließend bringt das spieltechnisch virtuose Quintett, das bereits mit Ian Paice (Schlagzeug) beziehungsweise Jon Lord (Keyboards) aufgetreten ist und von beiden Deep-Purple-Ikonen in den höchsten Tönen gelobt wurde, weitere Highlights aus der Karriere der 1968 gegründeten britischen Hardrock-Ikone live auf die Bühne.

„Deep Purple in Rock“ gilt als eine der einflussreichsten Platten der Rockgeschichte. Für Purple bedeutete sie den weltweiten Durchbruch, das belegen alleine schon diverse Goldene Schallplatten. In Deutschland stand ihre vierte Studio-Scheibe zwölf Wochen auf Platz eins.

Ritchie Blackmores markante Gitarrenriffs in Verbindung mit Jon Lords klassischen Kadenzen auf der röhrenden Hammond-Orgel verbanden sich zu einer bis dato nicht gekannten Härte und Wucht. Nebenbei setzte sich Ian Gillan als ihr neuer Sänger insbesondere mit seiner ekstatischen Darbietung auf „Child in Time“ selbst ein Denkmal. Wenn es einen Tonträger gibt, der sinnbildlich für das Ende der Flower-Power-Ära steht, dann dieser epochale Geniestreich! Gute Gründe für Demon’s Eye, den Genre-Klassiker in all seinen Facetten live zu performen.

Die Tribute-Formation widmet sich bereits seit 1998 primär der Siebziger Jahre-Phase des Hardrock-Flaggschiffs und orientiert sich dabei am Sound des für viele Rockfans besten Live-Albums „Made in Japan“. Wie das Original so zeichnen sich auch Demon’s Eye durch furios improvisierte Gitarren- und Orgelduelle bei unbändiger Spielfreude aus. „Stets wird eine ganz besondere Magie erzeugt, der sich keiner entziehen kann“ (‚Rastatter Tagesblatt‘).

Angesichts der Tatsache, dass Deep Purple mit ihrer „The Long Goodbye-Tour“ seit Mai 2017 ihren Abschied von ausgedehnten Gastspielreisen eingeläutet haben, sind Demon’s Eye die legitimen Verwalter des live-musikalischen Erbes der weltberühmten Hardrocker. Das sieht auch Ian Paice so. Der Purple-Drummer bescheinigte Demon’s Eye auf einer Pressekonferenz „eine wundervolle Gruppe“ zu sein und sagte darüber hinaus: „Diese Jungs sind wirklich fantastisch. Sie wissen genau, was sie tun!“

Wer also „Child In Time“, „Speed King“ oder „Hard Lovin‘ Man“ von „In Rock“ sowie weitere Klassiker wie „Highway Star“, „Smoke On The Water“ oder „Burn“ authentisch erleben möchte, darf sich dieses Konzert nicht entgehen lassen. Allein schon deswegen, weil zahlreiche „In Rock“-Songs von Purple selbst live nicht mehr aufgeführt werden! Top-Qualität ist immer garantiert, denn Demon’s Eye sind ein Deep-Purple-Tribute-Act, der, laut „Mannheimer Morgen“, „vom Original nicht zu unterscheiden ist“.

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5 DECADES OF CLASSIC ROCK – 2019 feierten EPITAPH ihr 50-jähriges Bandjubiläum.

Das Album „Long Ago Tomorrow“ ist der Höhepunkt einer langen Reise durch fünf Jahrzehnte Rock. Es ist ein sehr abwechslungsreiches und zugleich persönliches musikalisches Statement, von den Kellern des Fantasio über das Spukhaus der Black Hills bis zu den Wolkenkratzern von
Chicago. Dieses Album bringt all die Prüfungen, das Trübsal, die Erfolge und die gebrochenen Träume zusammen, die EPITAPH zu dem gemacht haben, was sie heute sind. – Eine Top-Classic-Rock-Band, die auch heute jede Bühne rockt!

Nur eine Handvoll Rockbands in Deutschland darf für sich den Zusatz „legendär“ beanspruchen. EPITAPH gehören dazu. Die 1969 gegründete Formation hat insbesondere in den 1970ern Musikgeschichte geschrieben. Als erste deutsche Band tourten sie mehrfach in den USA und produzierten in Chicago das 1974 veröffentlichte Album „Outside The Law“. Spätestens nach den Fernsehauftritten im Beat Club und im Rockpalast, war die Band in aller Munde. Gemeinsame Tourneen mit Joe Cocker, Rory Gallagher, Golden Earring oder auch ZZ-Top, sowie unzählige Festivalauftritte, machten EPITAPH zu einer der gefragtesten und kultigsten deutschen Rockbands.

Die Band veröffentlichte in den vergangenen 40 Jahren insgesamt 17 Studio- und Live-Alben. Zählt man die digitalen Re-releases dazu, sind es 22 Alben. Nachdem es in den 80ern und 90ern etwas ruhiger geworden war, meldeten sich EPITAPH im neuen Jahrtausend zurück. Die neuzeitlichen Studio-CDs
„Remember The Daze“, „Dancing With Ghosts“ und „Fire From The Soul“ sind Alben mit zeitloser Rockmusik. Die CD/DVD-Box „Live At Rockpalast“ mit allen drei (!!) Rockpalast-Konzerten, und den Beat-Club- Aufzeichnungen als Bonusmaterial, steht zur Freude der Fans in den Regalen. Der Konzertmitschnitt von 2013 „Still Standing Strong – Live At The Capitol“, ist als Doppel-DVD und als Doppel-CD erhältlich.

EPITAPH zeigen dort eindrucksvoll, dass sie jeden Saal zum Kochen bringen. Akustisch begeistern EPITAPH auf dem unplugged Album „The Acoustic Sessions“, welches unter den Top 100 Rock-Alben des Jahres 2014 Platz 31 im ECLIPSED Magazin belegte. Und das vor Bands und Musikern wie Foo
Fighters, Joe Bonamassa oder Legenden, wie Wishbone Ash. Weil EPITAPH auch unplugged erfolgreich sind, produzierte die Band 2016 „A Night At The Old Station“ eine Live-CD/DVD-Box. Das aktuelle Line-Up besteht aus den Gründungsmitgliedern Cliff Jackson (Gitarre/Gesang) und Bernd Kolbe (Bass/Gesang), sowie Heinz Glass (Gitarre), der auch schon in den 70ern zur Band gehörte. Am Schlagzeug sorgt Carsten Steinkämper für den nötigen Druck. Der Dortmunder absolvierte ein Schlagzeugstudium von 1997 bis 2001 am Conservatorium in Maastricht NL. Er spielte bereits in verschiedenen Formationen – u.a. auch bei EPITAPH. Carsten ersetzt den Schotten Jim McGillivray.

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Seit fast 4 Jahrzehnten touren fünf Typen durch überfüllte Clubs, die mit zum Besten gehören, was die europäische Bluesszene zu bieten hat. Die Hamburg Blues Bandsteht für intensiven, clever arrangierten und live umwerfenden Roots Blues der regelmäßig Puristen ins mentale Wanken bringt. Denn die die Truppe um den oft mit Joe Cocker verglichenen Sänger Gert Lange, vermengt brettharten Gitarren-Bluesrock so spielfreudig wie traditionsbewusst mit Soul, Psychedelic, Rhythm & Blues, Boogie & sogar Ausflüge in Jazz Gefilde.1982 gründeten der Hamburger Sänger & der englische Saxophonist DickHeckstall-Smithim legendären Hamburger „Onkel Pö“ spontan nach einer Mitternachts Session die Hamburg Band Band. „Dick Heckstall-Smith war unser Schlüssel zur britischen Bluesszene, unsere Brit-Blues-Connection“. „Er war für uns das, was Alexis Korner für die Stones & viele andere war.“ so Lange heute. So verwundert es nicht, das die Band über die Jahre dann auch mit den Stars der Szene auf Tour war: Jack Bruce, Chris Farlowe, Mike Harrison, Arthur Brown und Gitarrenheroen wie Clem Clempson & Miller Anderson zu Bandmitgliedern wurden. „Wir hatten darüberhinaus das grosse Glück, dass DickHeckstall-Smith vor seinem Tod uns noch mit der Texter-Legende PeteBrown (Cream) zusammen brachte, der bis heute unsere Texte schreibt & auch ein weiterer gern gesehener Gast auf unseren Tourneen ist“.Hamburgs renommierter Blues/Rock Shouter Gert Lange, Stimme diverse Werbespots (u.a. Carlsberg Bier) sowie dem Titelsong des mit dem deutschen Filmpreises in Gold ausgezeichneten Roadmovies “Burning Life“ und die famose Rhythmustruppe, Trommler Hansi Wallbaum & Bassist Michael Becker(Spooky Tooth, Lake, Stoppok, Interzone, Chuck Berry, Westernhagen), kennt man als eine verschworene Bande, die mit einer konsequenter Durchschlagskraft arbeitet, ergänzt durch ihre Fähigkeit, Dynamik auf Abruf zu steuern und mit perfektem Harmoniegesang zu würzen. Unter dem Motto „Friends For A LIVEtime VOL.II“ ist die Hamburg Blues Band mit Freunden & Weggefährten auf grosser Tour. Die Stimme von Chris Farlowe erregte erstmals Mitte der Sechziger Aufmerksamkeit, als er mit dem von Mick Jagger & Keith Richards produzierten Rolling Stones Song “Out Of Time“, Platz 1 sämtlicher Hitparaden in Europa eroberte. Der allseits bekannte “Blues-Pavarotti“ (Good Times) war Sänger der Progressiv-Giganten Atomic Rooster & Colosseumderen Doppelalbum „Colosseum Live“ auch heute noch getrost als Juwel der Rockgeschichte bezeichnen kann. 1982 holte ihn Jimmy Page(Led Zeppelin) für die Filmusik zu dem Charles Bronson Film “Death Wish II“ & und zu dessen Soloalbum “Outrider“. Seid Mitte der 80er ist Chris mit eigener Band auf Tour, übernimmt jedoch immer wieder gerne Gastangebote bei anderen Formationen an – u.a. bei Van Morrison, den R&B Allstars & der Hamburg Blues Band mit Bandkumpel Clem Clempson. 1994 war Chris Farlowe Teil des groß angelegten Colosseum Comebacks bis zum Abschiedskonzert der Supergroup um Jon Hiseman im Februar 2015 im legendären Shepherd ́s Bush Empire in London. Als R&B Entertainer alter Schule versteht er es wie kein anderer Delta, Opera & New Orleans Scatgesang zu kombinieren.Namen wie Jimi Hendrix, Muddy Waters, Eric Clapton, Jeff Beck, Johnny Winter, Rory Gallagher oder auch Pete Townsend fallen, wenn von dem erst 23 Jahre alten Krissy Matthews die Rede ist. Sie alle sollen Pate für den Gitarren-Stil des jungen Ausnahme Gitarristen gestanden haben und in der Tat ist das Spiel von Matthews alles andere als eindimensional. Mal klingt er frisch und rau, dann wieder schräg und wild. Schon als Dreijähriger stand er zum ersten Mal auf der Bühne, im Alter von acht Jahren bekam er seine erste Gitarre und als Elfjähriger wurde er vom Blues erfasst. Ein Jahr später traf er John Mayall bei einem Auftritt in Norwegen, und der Gottvater des weißen Blues zögerte nicht lange und nahm den Zwölfjährigen mit auf die Bühne. Musikerkollegen, Kritiker sowie Presse sind voll des Lobes; „This guy is the real deal“ (Beth Hart), „Oh boy, this kid can play“ (Hubert Sumlin. Auch nach 38 Jahren ist die Hamburg Blues Band immer wieder für Überraschungen gut & präsentiert ihren ganz eigenen Sound fernab jeglicher Klischees. Auf der „Friends For A LIVtime VOL.l II“ Tourerwartet das Publikum ein musikalisches Feuerwerk mit echten Typen und Originals.

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24-7 Spyz präsentiert brandneues Album mit Live-Shows

Das Jahr 2021 markiert die Rückkehr des Heavy Metal Soul Sounds, der 24-7 Spyz signifiziert!

Die aus der South Bronx stammende Band hat kürzlich ihr brandneues Album The Soundtrack to The Innermost Galaxy veröffentlicht, das ab Anfang 2020 in Europa beworben wird.

24-7 Spyz wurde 1986 gegründet, ist seitdem viele Male durch Europa gereist und hat die Menge immer begeistert. Ihr Sound ist eine einzigartige Mischung aus Heavy Metal, Soul, Funk und Jazz. Sie werden oft mit Bands wie Living Color, Urban Dance Squad, Fishbone und Red Hot Chili Peppers verglichen.

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Wyzard – Bass, Voc • Moses Mo – Guitars, Voc • Carl Carlton – Lead Vocals, Guitars • Bertram Engel – Drums, Percussion, Voc • Pascal Kravetz – Organ, Keyboards, Voc •

Nach der von Kritik und Publikum hochgelobten Reunion Tour 2019, sind Carl Carlton & The Songdogs motiviert und heiß, jetzt in 2021 ihren musikalischen Siegeszug fortzusetzten. Das Tourmotto „HIGH IN A SWEET RELEASE” signalisiert diesen neugewonnenen Enthusiasmus der fünf Ausnahmemusiker. Nachdem ihre vier Alben über die Jahre einen legendären Status erreicht haben, war es nicht verwunderlich, dass Fans und Publikum sich die Songdogs zurück
auf die Bühne wünschten.

THE BEGINNING: Guter Rat ist nicht immer teuer. Robert Palmer, guter Freund und  musikalischer Lehrmeister von Carl, gab im Jahr 1999 den Anstoß. »Why not have your own band?«, konfrontierte er ihn bei einer ihrer vielen, gemeinsamen Produktionen. »That’s long overdue, Carl…!« Und Recht hatte der viel zu früh verstorbene Robert Palmer (2003), der durch grandiose Alben wie »Sneakin’ Sally Thru The Alley« und Blockbuster-Hits wie z.B. »Simply Irresistable« und »Addicted To Love« Weltruhm erlangte. Carl nahm Roberts Rat an und gründete die Songdogs mit einem Champions-League-Line-Up, zu dem neben der Kerntruppe zahlreiche temporäre Supporter gehörten: Robert Palmer, Levon Helm und Garth Hudson (beide The Band), Bobby Keys, Sonny Landreth (ein Meister an der Slide-Gitarre), Ian »Mac« McLagan (Small Faces, Rolling Stones etc.), Ronnie Wood (ja, genau der…), Jon Smith, Steve Howard, Eric Burdon, Xavier Naidoo, Klaus Voormann und viele handverlesene Kollegen mehr.

Der Kern der Songdogs bestand, während der aktiven Karriere, aus Moses Mo (guitars) und Wyzard (bass) von den Funkrock-Pionieren Mother’s Finest aus Atlanta, Pascal Kravetz an den Tasten (Lindenberg, Maffay, Robert Palmer u.a.) und »the one and only« Bertram Engel am Schlagzeug. Später saßen (in chronologischer Folge) Wayne P. Sheehy (Ronnie Wood Band), Zachary Alford (David Bowie, Bruce Springsteen u.a.) und Dion Murdock (Mother’s Finest) an den Drums.

Die Gründung der Songdogs war ein Glücksfall für alle Rock-Liebhaber und den umtriebigen, stets am Limit arbeitenden Musiker Carlton, der als Gitarrist, Songwriter und Performer (Robert Palmer, Eric Burdon, Peter Maffay, Udo Lindenberg, Wolfgang Niedecken u.v.a.m.) nur einen Arbeitsmodus kennt: »Let’s get it on!« Mit den Songdogs schuf sich Carl, der unermüdliche Netzwerker, die perfekte Plattform, um mit all den hochkarätigen Musiker-Freunden seinen »No-Bullshit,- Keep On Swinging« Approach umzusetzen und seine tief im Rock, Blues und R’n’B verwurzelten Songs zu präsentieren. Das geniale Debütalbum von 2001 mit dem Titel »Revolution Avenue«, aufgenommen in den Sümpfen Louisianas, spiegelt in beeindruckender Weise die musikalische Seele der Songdogs. In den Folgejahren wurden drei weitere grandiose Songdog-Longplayer/CDs veröffentlicht: »Love & Respect« (2003), das von Kritik und Publikum gleichermaßen gefeiert wurde – »noch internationaler, noch farbiger« – die Live-Doppel-CD »CaHoots & Roots« (2004) und »Songs for the Lost and Brave« (2008), für dessen Produktion sich Carl & Co. in Levon Helms berühmtem Studio »The Barn« in Woodstock/NY einfanden. Wie allerdings die Geschichte beweist, sind sogenannte „Supergroups“ gleichermaßen fragile, wie sensible Gebilde. Nach knapp zehn erfolgreichen, überaus kreativen Jahren trennte man sich in aller Freundschaft bis auf Weiteres, um sich individuellen musikalischen Wegen widmen zu können.

Jetzt, 20 Jahre, nachdem die Töne des ersten Songs »God’s Gift To Man« in den Dockside Studios in Maurice, Louisiana aus den Lautsprechern schallten, sind Carl Carlton & The Songdogs in Originalbesetzung und in Topform, nach ihrer begeisternden Reunion Tour im letzten Jahr auch in 2021 wieder voll da! Save the dates und frei nach Carls Motto: »Keep Swinging!«

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Was wäre die Geschichte der deutschen Rockmusik ohne Kraan? Zweifelsohne nicht nur unvollständig, sondern vor allem um ein besonders buntes, höchst kreatives Kapitel ärmer.

Kraan verschrieben sich von Beginn ihrer Karriere an einer spannenden Fusion aus Rock, Jazz und Ethno-Einflüssen und fügten ihrem Sound später US-Mainstream- und Soul-Elemente hinzu. Ihren Stil nannten sie kurz und ergreifend ´Wintrup Musik`, benannt nach ihrem Domizil im Teutoburger Wald. Eine kleine Erbschaft im Mai 1970 war quasi die Initialzündung der Band. Die vier Ur-´Kraaniche` Peter Wolbrandt, Jan Fride, Hellmut Hattler und Alto Pappert warfen ihr Geld zusammen und kauften sich eine Anlage plus einen Bandbus. Ihr Debütalbum nahmen sie in einer 2-tägigen (!) Studiosession auf und pflegten auch sonst den Hang zur Spontaneität. Die Galionsfiguren bei Kraan waren Bassist Hellmut Hattler und Gitarrist Peter Wolbrandt, gleichzeitig die beiden Hauptsongschreiber der Band. „Ich suchte nach einem Wort, das gut klingt“, erklärte Hattler später die skurrile Namensgebung. „Wir wollten raus aus diesem Klischee und solch ein Wort wie Kraan taucht fast in jeder Sprache auf.“ Passend dazu auch der musikalische Rahmen der Band: Über einen rockigen Drum-Beat, perfekt ergänzt durch Hattlers kraftvollen funky Grooves, zog Saxophonist Alto Pappert wunderschöne Melodien, während Gitarrist Peter Wolbrandt mit ganz eigenem Sound und swingenden Licks die Songs abrundete.

Kraan genossen das Leben einer musikalischen Kommune. Ein stillgelegtes Weidegut, ein anno 1871 erbautes Fachwerkgebäude mit etwa 4000 Quadratmeter Land, einsam am Rande des Teutoburger Waldes gelegen, war in den Siebzigern ihr Zuhause. Das ehemalige Pferdegestüt hatte Graf Metternich den Musikern zur Verfügung gestellt – kostenlos und ohne Bedingungen. Dort wohnten sie mit 13 Gleichgesinnten (vier Musiker, der Manager, zwei Roadies, drei Frauen, drei Kinder und etliche Katzen und Hunde). Hattler charakterisierte die Philosophie des Zusammenlebens seinerzeit mit den Worten: „Es herrscht hier eine freundliche Anarchie. Wir haben absichtlich keine Pläne gemacht, wer wann wo putzen muss oder Spüldienst hat. Es ist natürlich ganz schön schwierig, weil wir auf unsere eigene Einsicht angewiesen sind.“ Denn: „Wenn in der Küche alles stimmt, geht auch die Musik in Ordnung.“

Im täglichen Leben zwar mit derlei Banalitäten konfrontiert entwickelte sich die Band in den kommenden Jahren zu eine der außergewöhnlichsten deutschen Formationen. Ihre dritte Veröffentlichung ´Andy Nogger` (der Albumtitel beleuchtete den Konsumterror kritisch und war eine Anspielung auf den Speiseeis-Werbeslogan ´Nogger Dir einen`) verkaufte sich 120.000 Mal. Das Werk erschien in Österreich, der Schweiz, Holland, Kanada, Australien, England, Skandinavien und Südafrika und wurde vom deutschen ´Musikexpress` zur Platte des Jahres gekürt. Bereits vier Wochen nach Veröffentlichung in Amerika rangierte das Album in den Billboard Charts auf Platz 9 der meistgespielten LP´s aller US-Sender. Nach drei Studiowerken wurde im Oktober 1974 im Berliner ´Quartier Latin` ihr Doppelalbum ´Kraan Live` mitgeschnitten, eines der herausragenden Jazzrock-Alben jener Tage, das vom legendären Produzenten Conny Plank aufgezeichnet und bearbeitet wurde. Nach einem umjubelten Auftritt beim Roskilde Festival in Dänemark im Juni 1975 ersetzten Kraan den ausgestiegenen Alto Pappert durch den Pianisten/Organisten Ingo Bischof. Mit dem folgenden, ebenfalls großartigen ´Let It Out` Album, das mit einem mobilen Studio in Wintrup, quasi zwischen Pferdestall und Küchenherd von Conny Plank produziert wurde, avancierten Kraan im Magazin ´Sounds` zur Gruppe des Jahres. Auch der ´ME` fand Gefallen an der Band: „Lange Kollektiv-Improvisationen zwischen Jazz, Rock und Blues werden mit spielerischer Leichtigkeit für ein paar Takte von arrangierten Teilen unterbrochen“, schrieb das Magazin im November 1975. „Da zeigt sich echtes Können und die Kraan-Leute verwirklichen ihre ausgefallenen musikalischen Ideen mit derart viel Einfühlungsvermögen und Präzision, als wollten sie augenzwinkernd an den Genius eines Frank Zappa erinnern.“

Nach ´Let It Out` begann für Kraan eine neue Zeitrechnung. Die beiden folgenden Alben ´Wiederhören` (1977) und ´Flyday` (1978), speziell aber das 83er Opus ´Nachtfahrt` (dazwischen liegt noch die Veröffentlichung des zweiten Live-Albums ´Tournee`), reflektierten den geänderten Zeitgeist. Die Neue Deutsche Welle zog in die deutsche Musiklandschaft ein. Von ihr blieben auch Kraan nicht unbeeinflusst. Und umgekehrt. Hattler: „Viele dieser Bands waren Kraan-Fans, und waren von dem, was wir auf ´Flyday` machten, vor allem von Peters Arpeggio-Gitarrenstil, beeindruckt und ließen diese Elemente auch in ihre Musik einfließen. ´Nachtfahrt` dagegen war unsererseits eine mehr oder weniger ironische Auseinandersetzung mit der damaligen Musikszene.“ Echte Kraan-Scheiben waren beide Veröffentlichungen indes nur teilweise, sondern eher – wie Hattler es nennt – „jeweils zur Hälfte Solowerke von Peter und mir.“ Als kreative und produzierende Band wie zu Wintrups Zeiten existierten Kraan zum damaligen Zeitpunkt nicht mehr; die Aktivitäten der Gruppe beschränkten sich auf Tourneen in wechselnden Besetzungen bis zum Jahr 1984. Danach sollte endgültig Schluss sein, aber schon 1988 erschien das dritte Bühnenwerk ´Live ´88`, gefolgt von den beiden letzten Studioalben ´Dancing In The Shade` und ´Soul Of Stone`.

Mit einem Auftritt 1992 auf der ´Dokumenta` in Kassel schloss die Kraan-Historie für das fast komplette Jahrzeht der 90er Jahre.

Hattler setzte seine Karriere mit dem bereits auf den letzten Kraan-Veröffentlichungen zu hörenden Trompeter Joo Kraus in der Formation Tab Two fort, Wolbrandt widmete sich seinem erlernten Beruf als Graphiker und Programmierer und erst anlässlich des dreißigjährigen Kraan-Jubiläums reformierte sich die Band im Frühjahr 2000 in der Besetzung Hattler, Wolbrandt, Bischof und Fride, veröffentlichte die beiden Jubiläums-konzerte (´Live2001`), spielte eine überaus erfolgreiche Deutschlandtournee und veröffentlichte Ende Juni 2003 ihr Comeback-Album ´Through`, das auf wundersame Weise nahtlos an alte Tugenden anknüpft, ohne dabei etwa angestaubt oder vom Zeitgeist überholt zu klingen. Auch auf dem Nachfolgewerk Psychedelic Man (für das die Fa. EMI übrigens eigens ihr legendäres „Harvest“ label reanimiert hat), erweist sich diese unverwechselbare Band als ein Füllhorn an Kreativität und Musikalität, die in dieser Form in Deutschland einzigartig ist.

Seit Anfang 2008 wurde der längst in der Luft liegende Wunsch verwirklicht, auch live wieder freier und den Fähigkeiten der Urmitglieder entsprechender aufzuspielen. Seither besteht KRAAN „nur“ noch aus den drei Gründungsmitgliedern Peter Wolbrandt, Hellmut Hattler und Jan Fride Wolbrandt, absolvierte gefeierte Tourneen und veröffentlichten 2011 in dieser Besetzung ihr aktuelles Albums mit dem Titel „Diamonds“, das hochmodern und trotzdem 100% nach KRAAN klingt und damit deutlich zeigt, dass diese Band offenbar keinerlei Zeitschema zu unterliegen scheint; immerhin wird kein Prädikat im Zusammenhang mit KRAAN so oft gebraucht wie das Wort „zeitlos“.

Im Jahr 2008 also verschlankten sich KRAAN zum klassischen Kern-Trio, ohne jemals so zu klingen. Die drei Schulfreunde Peter und Jan Fride Wolbrandt sowie Hellmut Hattler wurden nicht zu Verwaltern des eigenen Erbes, sondern schrieben neue Stücke, produzierten frische Alben, interpretierten die eigenen Klassiker virtuos, funky und mit extrem viel Drive. Immer wieder bewiesen sie, dass sie auf ihrem ureigenen Kraan-Terrain zwischen Rock und Jazz auch handwerklich einfach unschlagbar sind. Mit „The Trio Years“ und „The Trio Years – Zugabe!“ ist nun endlich das Beste – und darüberhinaus das komplette Repertoire der vergangenen Live-Jahre zu haben.

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Auch mit Atomic Rooster taucht nach langer Zeit wieder eine der alten britischen Rockbands in der heutigen Musikszene auf. Klar hatte die Band in den 70-er Jahren ihren Höhepunkt, als Atomic Rooster mit dem Organisten Vincent Crane und dem Schlagzeuger Carl Palmer namhafte Musiker in ihren Reihen hatte, die beide schon vorher bei Arthur Brown für Aufsehen sorgten. Während ihrer gesamten Geschichte war der Keyboarder Vincent Crane das einzige konstante Mitglied und schrieb den größten Teil der Songs.

Die Geschichte wird von zwei Perioden bestimmt: Anfang Mitte der 1970er und Anfang der 1980er Jahre. Dabei durchlief die Band radikale Stiländerungen, aber sie war bekannt für den harten, progressiven Rock-Sound ihrer Hit-Singles „Tomorrow Night“ (UK Nr. 11) und „Devil’s Answer“ (UK Nr. 4), beide aus dem Jahr 1971.

Im Jahr 2016 haben die beiden ehemaligen Bandmitglieder Pete French (Gesang) und Steve Bolton (Gitarre) Atomic Rooster wieder neues Leben eingehaucht und sind jetzt in neuer Besetzung, aber alten Programm, auf Tour.

Die Tour im nächsten Jahr wird von den Magazinen präsentiert
ECLIPSED   *   GOOD TIMES   *   MUSIX   *   ROCKS

Wishbone Ash wurde von den West Country Musikern Martin Turner und Steve Upton gegründet, die 1969 in London ihre musikalischen Reise starteten. Mit der Absicht, einen Sound zu kreieren, der reich an melodischer Struktur ist, schuf Martin Turner den unverkennbaren Gitarrensound der doppelten Leadgitarre und die Gitarristen Ted Turner und Andy Powell wurden über eine mittlerweile legendäre „Melody Maker“ Anzeige gefunden. Das Original-Lineup von Wishbone Ash hat einen einzigartigen Musikstil geschaffen, der einige der besten Songs und Alben in der Geschichte der Rockmusik hervorbrachte und zahlreiche erfolgreiche Bands beeinflusst hat. Wishbone Ash wurden zu einer der beständigsten britischen Rock Bands und ihr Name steht für hochqualitativen, gitarrenlastigen Melodic-Rock.

5 Jahrzehnte später begeistert die Musik von Wishbone Ash immer noch alte und neue Fans auf der ganzen Welt, sowohl mit Live-Konzerten als auch mit einer beachtlichen Auswahl an Studioalben. Album-Veröffentlichungen wie Argus, Pilgrimage, There´s the Rub, New England und Live-Dates haben den typischen Wishbone Ash-Sound definiert und die Herzen mehrerer Generationen von Musik-Fans berührt. Als Lead-Sänger, Bassist und kreativer Kopf der Band trug Gründungsmitglied Martin Turner erheblich zum Erfolg von Wishbone Ash bei sowohl bei den Kritikern als auch in kommerzieller Hinsicht. Durch seine ausdrucksstarke Stimme, seine Songwriter Fähigkeiten, sein Gespür für melodiöse Harmonien und deren Umsetzung und nicht zuletzt durch seine Fertigkeiten als Produzent, ist er zu einer Schlüsselfigur für den definitiven Wishbone Ash Sound geworden. Martin Turner spielt auch weiterhin die beliebtesten Stücke der Band mit seinem aktuellen Line-Up, das aus den Gitarristen Misha Nikolic und Danny Willson und dem Schlagzeuger Tim Brown besteht.

In den vergangenen Jahren hat Martin Turner weltweit sein Publikum mit seinen Auftritten und Aufführungen des Materials der klassischen Periode der Erfolgsgeschichte von Wishbone Ash erfreut. Martin’s 2019er Tourneen setzen diese Vertiefung des Wishbone Ash Backkatalogs fort und gipfeln in der Veröffentlichung der 30-Disc-Deluxe-Edition des retrospektiven CD Box Set The Vintage Years 1970-1991 (Snapper Music) sowie der 2016 aufgenommenen Doppel Live CD/DVD The Beauty of Chaos – Live at the Citadel.

Im September 1971 veröffentlicht und mit der gefeierten original Wishbone Ash Bandbesetzung Martin Turner, Steve Upton, Ted Turner und Andy Powell, baute Pilgrimage auf den kreativen und kommerziellen Erfolg des 1970 entstandenen Debütalbums der Band Wishbone Ash auf und ebnete 1972 den Weg für das Classic-Album Argus, das schließlich der Band den “Best New Band”-Award der britischen Musikpresse einbrachte. Mit einer großen Bandbreite verschiedenster Einflüsse wie Blues, Jazz, Folk und Rock, enthält Pilgrimage einige der Sützpfeiler des Live-Sets von Wishbone Ash wie “Jail Bait” und “The Pilgrim” als auch Lieblingsliedern der Fans wie “Vas Dis” und “Valediction”. Strahlend in seiner unverwechselbaren, von Hipgnosis gestalteten Album-Hülle, erreichte Pilgrimage Rang 14 der britischen Album-Charts. Auf der Herbst-Tour 2019 wird Pilgrimage nun zum ersten Mal in voller Länge auf der Bühne gespielt werden.

Im Oktober 1976 veröffentlicht und mit der Wishbone Ash „Mark 2“-Bandbesetzung Martin Turner, Steve Upton, Andy Powell und Gitarrist Laurie Wisefield (der sich Wishbone Ash 1974 anschloss), kennzeichnete New England die Rückkehr von Wishbone Ash nach der recht enttäuschenden Resonanz auf deren Vorgänger Locked In. Geschrieben und aufgenommen wurde New England in der lockeren Umgebung eines Keller-Proberaums in Martin Turners Haus in Connecticut, woraus sich ein Album ergab, das vor Live-Energie übersprudelt. Mit einem Mix aus kraftvollen Rocknummern wie “Runaway” und “Mother of Pearl” neben melodischen Einschnitten wie “Lorelei” und “You Rescue Me“, war das Album sofort ein Publikumsliebling. Das Kennzeichen der Band, die doppelte Leadgitarre, klang noch nie so dynamisch wie auf dem instrumentellen Vorzeigelied “Outward Bound” und New England hob alle Stärken dieser vielgeliebten Band hervor. Erst während der Frühlings-Tour 2019 wurde New England von Martin Turner und seiner Band zum ersten Mal vollständig live auf einer Bühne gespielt.

Line up:
Martin Turner – Lead Vox, Bass
Danny Willson – Guitar, Vox
Misha Nikolic – Guitar, Vox
Tim Brown – Drums, Percussion, Vox

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„The Final Cut“ ist eine Band für echte Musikliebhaber. Sie knüpft als Tributeband dort an, wo Pink Floyd 1983 aufgehört haben und erweckt mit ihren Liveshows den ursprünglichen Geist von Barrett, Waters & Co. wieder zum Leben.
Das Repertoire beinhaltet Pink Floyd Songs aus den Jahren 1968 bis 1983 sowie Solowerke von Roger Waters.
„The Final Cut“ ist keine weitere Best-Of Truppe, sondern wagt sich mit teils eigenen Interpretationen auch an außergewöhnliche Titel, die sonst selten live zu hören sind. Die Band kann sowohl Perlen der frühen Sixties-Floyd wie „Set The Controls“ in ein modernes Soundgewand packen als auch charakterstarke Songs wie „One Of My Turns“ überzeugend darbieten.

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Die Deep Purple-Legende Ian Paice spielt zusammen mit der wohl besten Deep Purple Tribute-Band alle Deep Purple-Hits!

Ian Paice ist der legendäre Schlagzeuger von Deep Purple und das einzig verbliebene Gründungsmitglied von Deep Purple.

Jetzt kommt er mit der weltbekannten Deep Purple-Tributeband Purpendicular auf Tour, um seine Best-Of-Classic-Deep-Purple-Show auf die Bühne zu bringen.

Ian Paice ist dabei live und ganz nah in Clubatmosphäre zu erleben. Da wird keine Videoleinwand benötigt, denn Ian Paice wird nur wenige Meter vom Publikum entfernt über zwei Stunden lang abdrücken, bis die Wände wackeln.

Zu hören gibt es alle Deep Purple-Klassiker wie «Child In Time», «Black Night», «Smoke On The Water», «Woman From Tokyo», «Hush» und viele weitere.

Deep Purple wird seit den 70er Jahren als eine der innovativsten und erfolgreichsten Rockbands aller Zeiten gefeiert und daran hat das Schlagzeugspiel von Paice einen großen Einfluss.

Ihre Musik ist gekennzeichnet durch die Ausgewogenheit zwischen genialer Musikalität und monumentaler Einfachheit. Paice selbst spielte neben Deep Purple unter anderem auch bei Whitesnake, Gary Moore sowie bei Soloprojekten von Jon Lord, Paul McCartney und Pete York von der Spencer Davis Group.

Die Band Purpendicular, die von Ian Paice und Joe Lynn Turner sogar als «beste Deep Purple Tribute Band der Welt» bezeichnet wurde, besitzt die Fähigkeit, die einzigartige Magie von Deep Purple, die für den Erfolg der legendären Rockband verantwortlich ist, bei jedem Auftritt live zu vermitteln.

Selbst Ritchie Blackmore sagt «Purpendicular ist eine exzellente Band» und Roger Glover meinte nach seiner Performance mit Purpendicular in Basel 2012 «Sie klingen frisch und es ist eine grosse Freude mit ihnen zu spielen».

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BIG war die Erfüllung eines Traums, der den britischen Blues-Gitarristen und Sänger Danny Bryant seit Beginn seiner steilen Karriere begleitet hat. Der Traum, seine Songs mit einer neunköpfigen Bigband ungeschminkt vor Publikum aufzunehmen, wurde Anfang 2017 in die Realität umgesetzt. Der charismatische Musiker präsentierte, unterstützt durch Keyboards, Bass, Schlagzeug, Rhythmus-Gitarre und einer vollen vierköpfigen Bläsersektion, seine Songs bei drei exklusiven Shows in Deutschland und in den Niederlanden seinem Publikum. Das Ergebnis war so fulminant, dass der Mitschnitt mit der Veröffentlichung des doppelten Live-Albums BIG (Jazzhaus Records, No. 1 Amazon Bestseller „Blues“) gefeiert wurde.

BESETZUNG
Danny Bryant – Guitar, Vocal
Dave Raeburn – Drums
Alex Phillips – Bass, Backing Vocal
Marc Raner – Rhythm Guitar, Backing vocal
Stevie Watts – Keys, Backing Vocal
Mark Wilkinson – Baritone Sax
Lauren Young – Tenor Sax
David Maddison – Trumpet
Alex Maddison – Trombone

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The Doors gelten als eine der einflussreichsten Bands der 1960er-Jahre deren Frontmann James Douglas „Jim“ Morrison zu den charismatischsten Persönlichkeiten der Rockmusik jener Zeit zählte. Mit nur 27 Jahren ist er auf mysteriöse Art und Weise in Paris gestorben und noch heute ist seine Grabstätte auf dem Pariser Ostfriedhof Père Lachaise eine Pilgerstätte für seine zahlreichen jungen wie alten Fans.

Ihm zu Ehren lassen wir mit der holländischen Tributband „The Doors in Concert“ die guten alten Zeiten wieder aufleben.

The Doors in Concert sind eine authentische DOORS-Tributband. Der Sänger hat das richtige Aussehen und die perfekte Stimme, der Keyboarder hat viele Ähnlichkeiten mit Ray Manzarek, der Gitarrist spielt und klingt wie Robby Krieger und schließlich kann sich der Trommler John Densmore’s feinsten Finessen nähern.

Die absolute Authentizität ist das Markenzeichen dieser Tributband. So werden nur Instrumente benutzt, welche exakt auch die Originalband spielte, um sich dem richtigen Klang so gut wie möglich zu nähern. Natürlich passen der Vox Continental, Gibson G-101 und der Gibson SG in dieses Gerüst. Der Keyboarder von The Doors in Concert spielt die Basslinien genauso mit seiner linken Hand auf einem historisch korrekten Silver-Top Fender Rhodes Piano Bass wie Ray Manzarek, der exakt so ein Modell auch genutzt hat.

Natürlich werden ebenso die Vintage Fender Amps and Mikrophone verwendet, wie es seinerzeit THE DOORS taten.

Jedes Instrument und jedes Stück der technischen Ausrüstung ist sorgfältig und liebevoll dem Original-Equipment nachempfunden und zusammengestellt, damit der glorreiche originale Klang bis ins feinste Detail erhalten bleibt.

The Doors in Concert produzieren so den ‚live‘ Klang der originalen Band. Die „live“-Versionen sind oft musikalisch viel interessanter und reiner als die bearbeiteten Studioaufnahmen.

Von den verschiedenen Live-Aufnahmen (die gerade neu remastert auf CD herausgebracht wurden) inspiriert, werden besonders Songs aus diesen (musikalischen) Sphären gespielt:
„The Doors In Concert“, „Live at the Aquarius Theatre“, „Live in Pittsburgh“, „Live in New York“, „Live in Stockholm“ und „Live at the Matrix“.

So werden neben den vielen Hits wie Light My Fire, The End, Riders On The Storm, Roadhouse Blues und Love Street, auch Songs wie Alabama Song (Whisky Bar) / Backdoor Man, End Of The Night, Gloria, LA Woman, Unknown Soldier, Hyacinth House, When The Music’s Over u.v.m. zu hören sein.

Jim Morrison gilt als Rockmusiker, der die Fantasien, Visionen, Ängste und die Selbstdestruktivität der Generation der späten 1960er Jahre artikulierte und exemplarisch auslebte. Gemeinsam mit den Doors erweiterte er das Repertoire der Rockmusik um mehrschichtige Konzeptstücke und Formen des Rocktheaters. Die Shows der Doors waren energiegeladen, explosiv, spannend und oft ereignisreich.

The Doors in Concert bringen diese Zeit zurück auf die Bühne. Authentisch, leidenschaftlich und perfekt im Sound und Outfit. Jeder der Jim Morrison und die Doors mochte, sollte sich dieses Ereignis und diese Tribut-Show nicht entgehen lassen.

Line-up:

Danny van Veldhuizen | Vocal
Willem Vonhof | Keys
Gandert de Boo | Guitar
Bobby Baudoin| Percussion, Drums

The DOORS In Concert Die perfekte Reinkarnation von JIM MORRISON, RAY MANZAREK, ROBBY KRIEGER und JOHN DENSMORE.

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Legendäre Band von Herman Brood  wieder ‘live’ auf der Bühne!            

Wild Romance ist die Band des niederländischen Sängers und Pianisten Herman Brood und das Symbol der niederländischen Rockmusik.

Die Band wurde 1976 im November in Groningen gegründet. Der Name stammt von der Regel “und ich verlor meinen Verstand in einer wilden Romanze“, ein Song des amerikanischen Jazz und Blues Sängers Mose Allison. Der Beginn einer der erfolgreichsten Bands in der Geschichte des Rocks. Sie erobern die Niederlande, U.S.A, Belgien, Deutschland, Spanien usw. Mit einer grossen Anzahl an Hits, darunter “Never be Clever” und “Saturday night”, gut für einen siebzehnten Platz in den USA Billboard Hot 100. Die “Absolute National USA Break out“ in allen 50 Staaten der USA.

Der Name Wild Romance lässt immer noch die Herzen vieler Musikliebhaber höher schlagen. Die Rockband ging in die Geschichte ein als absolute Live-Sensation mit Rekordleistungen nach oben und wird jetzt in voller Herrlichkeit wieder gelebt.

Hermann Brood nahm sich am 11. Juli 2001 mit einem Sprung vom Hilton Hotel das Leben. Dieses tragische Ereignis läutete für die Band einen langen Zeitraum des Schweigens ein, der in der Rückschau so erscheint, wie die Ruhe vor dem Sturm. WILD ROMANCE is BACK, auch mit den zwei Star-Gitarristen Dany Lademacher und David Hollestelle (der Herman Brood 20 Jahre begleitetete). Die Wild Romance ist bei voller Leistung wieder LIVE auf die Bühne.

Wild Romance veröffentlichte im November 2018 ein sensationelles neues Album mit dem Titel: NO TIME. Dieses Album wurde von den Wild Romance-Fans sowie von den Medien mit begeisterten Kritiken aufgenommen.

Wild Romance geht auf Tour und bringt ihre Rock & Roll Show live auf die Bühne. Sie feuern direkt musikalisch los und spielen Live on Stage ihr 2018 Hit-Repertoire. Und natürlich auch alle grossen Hits von Hermann Brood.

40 Jahre Rock’n Roll Geschichte kribbeln unter der Haut !

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Hoodoo Lightning, the 7th full length album by long running Swedish three-piece Kamchatka is due for release Nov 29 2019. 10 brand spanking new slabs of relentless blues infused riffage, soulful hooks and wild playing. Mixed and mastered by Black Lounge Studios head honcho Jonas Kjellgren in Sweden.

After an unforeseen break during 2017 due to various injuries and surgeries Kamchatka came back last year to play live again. What was supposed to be a few low key gigs to get back together and write some new music quickly turned into 50 shows, headline tours, support slots and festival appearances. The band also recorded and released a well received 7-inch on the German boutique vinyl label H42 Records with 2 new exclusive tracks.

Thomas Juneor Andersson:

-I think all of us were a little bit surprised about the interest from European promotors after our break and not having any new released material under our belts, but it also made us more confident in recording a new album. Some of the shows we played in ’18 were the best ones we’ve ever done in the 15 year history of the band so I was definitely looking forward to write new songs.

One step back but two steps forward might be an appropriate way of describing Hoodoo Lightning as all the signature ingredients we’ve come to know are there. The guitar wizardry and heartfelt vocals from Thomas Juneor Andersson as well as the rock solid swinging rhythm section of Tobias Strandvik & Per Wiberg are present as always and guides the listener through all the rock and roll twists and turns imaginable.

Tobias Strandvik:

-We’ve never been a band that have relied on any studio-trickery. The joy of playing music together is the foundation for this band so when recording that’s what we do, we play the songs together until we’re happy with what we got. I’d like to think there’s more of an edge to the performances this time though. We just went for it and didn’t play it safe at all but that’s what makes it exciting.

Sonically it’s a grittier Kamchatka we hear this time and it’s evident that there’s a new level of energy shining through Hoodoo Lightning, a more confident take-no-prisoners kind of attitude and closer to the uncompromising experience of seeing the band live. Also introducing the shared lead vocals from Thomas & Per on many of the tracks gives the power trio format an extra punch and a wider dynamic range as well.

Per Wiberg:

-Since both me and Thomas sing it’s cool to mix it up and share verses and choruses. I’ve always liked rock bands that have two or more lead vocalists, like Kiss, Grand Funk & ZZ Top for example. It brings more life to the songs I think and also underlines the fact that we’re a band. Obviously it’s fun and entertaining for both us and the audience in a live situation as well and it takes away a little of the pressure of having one guy doing the majority of the lead vocals.

As usual the music itself is heavily rooted in the 60’s & 70’s but Jonas Kjellgren has managed to avoid all the pitfalls of the slick retro sound and instead found a great balance between an up to date powerful in-the-moment sound with lots of creative details. Combined with the classy as ever songwriting and vigorous performances it’s the sound of a band who knows what they want and what they’re good at!

Hoodoo Lightning strikes!

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Produced by Kamchatka & Jonas Kjellgren
Mixed & mastered by Jonas Kjellgren at Black Lounge Studios
Recorded by Tobias Strandvik at Kamchatka Shelter
Thomas Juneor Andersson – Vocals, Guitars & percussion
Tobias Strandvik – Drums & Percussion
Per Wiberg – Vocals, Bass & Keys

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WellBad sind endlich auf großer, deutschlandweiter „Rock Noir LIVE -Tour“.
Mit im Gepäck haben sie ihre brandneue „Rock Noir (Live) – Bonus Edition“. Eine Doppel-Vinyl-Version ihres 2020 erschienen Live Albums „Rock Noir Live“.
(Der VÖ „Rock Noir (Live) – Bonus Edition“ ist für Sommer 2021 geplant und enthält den bisher unveröffentlichten Live-Song „Young“, aufgenommen im Hamburger Nochtspeicher)

Elektrisierende Rockshow trifft auf bluesigen Film Noir-Mood! Daniel Welbat hat „eine Stimme, die Autos entlackt!“ und singt, als hätte er Jahre in den dunkelsten Bars der Hamburger Reeperbahn abgehangen. Mit seiner fünfköpfigen Band bringt der extrovertierte Frontman seine fulminante „Rock Noir – Show“ auf die Bühne, die Publikum wie Presse begeistert. Man bekommt das Gefühl, mitten in einen Tarantino-Soundtrack katapultiert zu werden, während einen der besessene Showman mit viel Witz und Verve immer tiefer in die faszinierend-„glamourös-staubige“ Kunstwelt von WellBad hineinführt.

„Endlich wieder auf die Bühne! Endlich wieder „entlacken“, lautet das Motto der energetischen Band nach der Corona-bedingten Live-Pause.

Die brandneue „Rock Noir (Live) – Bonus Edition“ ist ein Live-Mitschnitt der beliebtesten Songs aus sämtlichen bisher veröffentlichten Alben der Band und gleichzeitig ein großes „Dankeschön“ an alle Fans und Unterstützer, die die Band mit Spenden, freundlichen Worten und CD-Käufen durch diese harten „Corona-Zeiten“ navigiert haben.

Ein Großteil der Live-Songs wurde im Oktober 2019 vom NDR im Hamburger Nochtspeicher aufgezeichnet. Kurz darauf wurde genau dieses Konzert von der OXMOX-Leserumfrage (neben P!nk, Robbie Williams und Udo Lindenberg) in die Top 10 der besten Konzerte aus 2019 gewählt.

Die Songs „Jackleen“ und „Rockin‘ Chair“ stammen aus einer Deutschlandfunk-Live-Radio-Session, die Anfang 2020 in Köln aufgezeichnet wurde.

WellBad beweisen mit ihrem kantigen „Rock-Noir-Blues“ einmal mehr, dass sie eine große Liebe für musikalische Artenvielfalt haben und keine Genre-Grenzen kennen. Ihr genreübergreifender Mix aus Roots-Rock, Jazz, Blues und Hip Hop hat die Hamburger Band innerhalb kürzester Zeit aufs internationale Parkett befördert.

Beim legendären Montreal Jazzfestival in Kanada, auf der Beale Street in Memphis (USA) oder im europäischen Ausland: WellBads Auftritte werden international regelrecht gefeiert.

„Ce diable d’homme évolue et propose un univers qui voisine ceux de Tom Waits et de Nick Cave.“ -LEDEVOIR (Montreal) („Dieser Tausendsassa lässt ein Universum entstehen, das mit dem von Tom Waits und Nick Cave zu vergleichen ist“)

„Wir werden oft gefragt, welches Genre wir eigentlich machen! Blues, Jazz, Rock, Alternative?…Hier kommt die Antwort: Rock Noir! Wir bringen 120 Prozent Leidenschaft auf die Bühne, wir brennen dafür!“

WellBad-Shows fühlen sich an wie ein Trip durch Himmel und Hölle, der keine Empfindung ausspart und tief berührt. Daniel Welbat und seine Band leben ihre Songs auf der Bühne und nehmen ihr Publikum mit auf eine intensive und berauschende Jagd nach Geschichten und Träumen.

Daniel Welbat: Vocals&Guitar
Stefan Reich: Bass
Arne Vogeler: E-Guitar
Joachim Refardt: Keys&Trumpet
Jonas vom Orde: Drums

WellBad feat. Toxic Tones:
Volker Bruder : Trumpet
Oli Poppe: Saxophon
Matthias Schinkopf: Saxophon&Flute

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Wer es wagt, sich an das Material der kanadischen Prog Rockband RUSH heranzutrauen, muss schon ein großes Vertrauen in sein musikalisches Können haben.
Die drei Mitglieder der italienischen Band LA VILLA STRANGIATO haben genau das! Die aus Rom stammende Band, benannt nach einem alten RUSH Titel, wurde 2010 von Gabriele Ferrari und Carlo Fattorini gegründet. Seither ist es ihr Anliegen, die Songs aus der Zeit der größten Popularität von RUSH, in den 70er und 80er Jahren, wieder zu beleben.
In den letzten Jahren haben die drei Italiener ihr Programm stetig weiterentwickelt und hinterließen auf vielen Shows begeisterte Fans Im aktuellen Programm Permanent Changes für 2020 stellt sich die Band der Herausforderung das gesamte Album Permanent Waves und eine faszinierende Auswahl an Songs, die RUSH seit damals nicht mehr gespielt hatte darzubieten. Sie
liefern damit endgültig den fulminanten Beweis als einzige Band in Europa fähig zu sein, das komplexe Material von RUSH zu spielen.

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